LAS JULIETAS

Volvemos al Circular, una vez más.

2011-09-02T17:41:00.000-07:00

Después de la Participación en el Festival Internacional de Teatro de Nuevo León, México, y mientras armamos las valijas para partir hacia Glasgow, Aviñón y Paso de los Toros (algún día, algún día...), LAS JULIETAS vuelve a los trasnoches del Teatro Circular. Viernes de octubre y noviembre a las 23:45. Quedan invitados.

Las Julietas en Monterrey, México. Festival de Nuevo León, agosto 2011.

2011-08-28T17:13:00.000-07:00

Las Julietas en el Festival de Teatro de Nuevo León, México. Agosto de 2011.

Crítica en Buenos Aires

2011-07-02T16:33:00.000-07:00

Medio: Tiempo Argentino

Titulo: La Uruguaya que conquista Baires
Periodista: Jorge Dubatti
Link: http://tiempo.elargentino.com/notas/uruguaya-que-conquista-buenos-aires

Extracto: “La directora y dramaturga uruguaya Marianella Morena está presentando con éxito Las Julietas en El Camarín de las Musas y Acaba de estrenar, además, Trinidad Guevara, en ElKafka unipersonal con Cecilia Cósero. Marianella crea sus textos vinculados a la escena, al espacio, convencional o no, a los actores concretos, atendiendo su biografía y particularidades estéticas, intelectuales y afectivas. Sus obras no son un producto literario independiente, sino una hoja de ruta hacia una realización espectacular.”

Medio: Tiempo Argentino

Titulo: Nueva Escena Rioplatense

Periodista: Jorge Dubatti
Link: http://tiempo.elargentino.com/notas/nueva-escena-rioplatense

Extracto: “Desde sus orígenes el teatro de ambas orillas estuvo muy conectado. Hoy, el éxito de Las Julietas y el estreno de Trinidad Guevara habla de la renovación de esos lejanos vínculos.”

Medio: Radio Cuidad

Periodista: Moira Soto (Pan y Teatro).

Extracto: ¨Marianella Morena nos zarandea como espectadores y espectadoras, nos sorprende de continuo, nos mantiene en estado de alerta total porque con Las Julietas -interpretadas/os por un cuarteto de actores entrañablemente admirables- la incitación al peligro es incesante... Probablemente, una de las grandes emociones teatrales del año en la cartelera porteña.¨

Medio: La razón

Título: Esos uruguayos apasionados

Periodista: Alejandro Stilman

Link: http://www.larazon.com.ar/show/uruguayos-apasionados_0_221400149.html

Extracto: “Cada espectador ordenará la historia como quiera. Lo seguro es que Las Julietas, la obra que se presenta en El Camarín de las Musas, será disfrutada y arrancará más de una sonrisa y no pocas carcajadas. (…) la pasión flamea en los actores (Leonardo Pintos, Claudio Quijano, Mariano Prince y Santiago Sanguinetti) que se embanderan y pasan del verso sublime al cántico futbolero del fanático de tribuna con un histrionismo de los buenos.”

Medio: Revista Acción. Centro Cultural de la Cooperación.

Título: Las Julietas

Periodista: Jorge Dubatti
Link: http://www.acciondigital.com.ar/15-02-11/agenda.html#teatro

Extracto: “Morena trabaja con cuatro excelentes actores –Leonado Pintos, Claudio Quijano, Mariano Prince, Santiago Sanguinetti– para producir comicidad sobre el mundo de los «machos». Con una mirada muy femenina, Morena se divierte y transmite ese disfrute a los espectadores. Se trata de un espectáculo de potente teatralidad, fruto de una paciente escritura escénica y de un largo proceso de búsqueda a través de pruebas e improvisaciones. De lo mejor del teatro uruguayo de renovación, recupera las convenciones del sainete de caricatura costumbrista.”

Medio: Críticateatral.com.ar

Título: Postales color celeste

Periodista: Sol Lebenfisz

Link: http://criticateatral.com.ar/index.php?ver=ver_critica.php&ids=1&idn=2737

Extracto: “Las Julietas es un manifiesto teatral (…) Contar historias, conocidas por todos, para contar otras que nadie recuerda. Las grandes historias, creo, siempre se están narrando en las pequeñas. Las Julietas construye un lenguaje propio, resultado del cruce entre fragmentos que se van reiterando, cíclicamente, a lo largo de toda la obra, y es como si cada repetición se impregnara de nuevos significados. Es una apuesta interesante a una suerte de economía textual”

Medio: Descongelandomentes.com.ar

Título: Las Julietas

Periodista: Charly Borja

Link: http://www.descongelandomentes.com.ar/espec_entrevistas/las_julietas_marianella_morena.html

Extracto: “(…) las excelentes actuaciones de Leonardo Pintos, Claudio Quijano, Mariano Prince y de Santiago Sanguinetti hacen lucir el arte y talento uruguayo en el rubro actoral, convirtiéndose este cuarteto, al igual que la autora y directora de la obra Marianella Morena, en verdaderos embajadores culturales de la República Oriental del Uruguay.”

Medio: Vida y amor por la palabra (blog de crítica del autor)

Título: Las Julietas

Periodista: Meche Martínez

Link: http://vidayamorporlapalabra.blog.arnet.com.ar/archive/2011/02/index.html

Extracto: “Tiene influencias de varios grupos teatrales, sin embargo, hay un punto en el cuál desaparece la similitud y pisa firme un sello propio que si se sigue intensificando, va a gustar y mucho. (…) Destrozando los mitos del “macho” que propone Shakespeare, y acentuando la pasión por “la celeste”, el grupo es uruguayo, avanza navegando impreciso entre metáforas y expresiones irrisorias que obligan al pensamiento y entretiene. Muy recomendable. ¡Para ver!”

Medio: Revista Siamesa

Título: Pequeña fuga

Periodista: Carmela Marrero Castro

Link: http://www.revistasiamesa.com.ar/2011/03/las-julietas-de-marianella-morena.html

Extracto: “La apropiación del clásico shakeasperiano que Morena lleva a escena con Las Julietas es inesperada, inteligente y con un humor excelente. (…) los resabios de comedia musical y cuatro actores que se roban la escena, logran que la risa de los espectadores sea parte de la obra.”

Medio: ABCultual.com

Título: Shakespeare, el fútbol y los machos en la obra uruguaya LAS JULIETAS

Periodista: Laura Gilardenghi

Link: http://abccultural.com.ar/nota.php?ID=1001

Extracto: “Los machos como estereotipos de una sociedad que los fabrica, se mezclan con el tango, el folklore, y la murga como parte indiscutible de su cultura. Un recorrido por Los Olimareños, el malambo, la influencia de inmigrantes italianos, y el nacionalismo a flor de piel que constantemente tiñe el aire de celeste. Los actores merecen un párrafo aparte, ya que la calidad de sus interpretaciones es profunda en el manejo del cuerpo y la energía, invitando a los espectadores a centrarse en estas cualidades, que expresan a la perfección la pasión y el entusiasmo que caracteriza a los latinos.”

Medio: Silviauriteteatro (blog de crítica del autor)

Título: Una noche con los Romeos

Periodista: Silvia Urite
Link: http://silviauriteteatro.blogspot.com/2011/03/las-julietas-uruguay-direccion.html

Extracto: “Con una escenografía completamente despojada, cuatro sillas y cuatro actores nos traen teatro con acento uruguayo, que demuestra que las preguntas sobre lo nacional, lo importado, la raigambre cultural y una particular forma de ver el mundo se comparten de este y del otro lado del Río de la Plata.”

Medio: Geoteatral.com.ar

Título: Las Julietas. Crítica.

Periodista: Marysol Falbo

Link: http://www.geoteatral.com.ar/nota/LasJulietas-Critica

Extracto: “Entre William Shakespeare y el fútbol la dramaturga, Marianella Morena, desarma y vuelve a construir un cruce entre las obras de Shakespeare y las costumbres uruguayas más arraigadas. Con un resultado que recauda aplausos en una acalorada y pequeña sala. (…) Las Julietas es una pieza ágil que rompe con estructuras establecidas para darle lugar a trabajos efectivos que refrescan la cartelera. Una puerta a la “reflexión de la identidad histórica, artística e íntima” como sugiere Morena. Las Julietas es celebración, por más obras uruguayas que visiten tierras porteñas e inviten a pensar.”

Medio: CulturAR

Título: Los machos de aquí y de allá

Periodista: Gabriela Morales

Link:http://www.culturar.com/notas.php?id=3271&PHPSESSID=efc6f479da7be58cbd5dfbc5bb7acebd

Extracto: “Con actuaciones de absoluta entrega y técnica natural estos cuatro personajes se plantan de frente a la platea y comienzan un diálogo disparatado que en un principio descoloca al espectador pero que poco a poco se va haciendo familiar. Es un diálogo desopilante que se entabla entre ellos asoman tics, frases hechas y dichos que se vienen repitiendo por años y que develan el alma uruguaya que tanto tiene en común con nuestra gente cercana a la costa de este lado del Río de la Plata.”

Medio: Leedor.com

Título: Exponente del teatro uruguayo en El Camarín de las Musas

Periodista: Ana Clara Bérgamo

Link: http://www.leedor.com/notas/4308---las_julietas.html

Extracto: “Esta compleja dramaturgia es acompañada a la par de una gran labor actoral, donde se puede percibir el trabajo de experimentación que caracteriza a este grupo integrado por los actores: Leonardo Pintos, Claudio Quijano, Mariano Prince, Santiago Sanguinetti. (…) Las Julietas es una obra muy recomendable no sólo para quien quiera acercase al teatro uruguayo sino también para quien quiera presenciar un espectáculo interesante, divertido y con muy buenas actuaciones.”

Medio: Showonline.com.ar

Título: Las Julietas. Crítica.

Periodista: Carla Tescione

Link: http://www.showonline.com.ar/2011/03/24/las-julietas/

Extracto: “En resumen, Las Julietas ofrece humor, la poesía de Shakespeare, música y danza dentro de un accionar continuo y pocos momentos de silencio.La creación de Marianella Morena ha recorrido otros países de Sudamérica como Chile y Brasil, además de Argentina y Uruguay, participando de diferentes festivales. El éxito continuará en Europa.”

Medio: Escenariosnacionales.com

Título: Las Julietas

Periodista: Pablo Lacon

Link: http://escenariosnacionales.blogspot.com/

Extracto: “Los amantes de Verona del clásico shakesperiano y la identidad masculina uruguaya en voz y piel de estos particulares Romeos, con actuaciones destacables y diálogos desopilantes, dejan al descubierto la pasiones que, a pesar de las peleas, los une. Los protagonistas dan paso del verso clásico a los cantos murgueros o al baile de un tango, con una ductilidad de la buena.”

Temporada en Buenos Aires, Teatro El Camarín de las Musas

2011-02-06T07:51:00.000-08:00

LAS JULIETAS, de Marianella Morena.
Camarín de las musas / Buenos Aires, Argentina
Mario Bravo 960. Tel. 4862 – 0655

Dos grandes machos se cruzan y desafiando todos los pronósticos nace una criatura que fue dada en llamar LAS JULIETAS. El uno, el gran macho del teatro: William Shakespeare. El otro, el gran macho celeste: El fútbol.

Marianella Morena, disecciona el “ser uruguayo” convirtiendo el acto en un vertiginoso e hilarante juego. La tragedia de Romeo y Julieta es descontextualizada y sometida a las influencias de la identidad uruguaya.

Apelando a la austeridad de recursos, al actor como el centro, y a lo real como “motor” de la escena, Las Julietas conduce de forma irreverente a la reflexión de la identidad histórica, artística e íntima.

¿Cuánto entra dentro del “celeste”? El Maracaná, el territorio suavemente ondulado, un cerro chato, un arroyo seco, el chivito, ¿y por qué no? LAS JULIETAS

Funciones:
Febrero: Sábados 20 hs.
Marzo y Abril: Sábados 20 y 23 hs.
Desde el 05/02/2011 hasta el 09/04/2011

Duración: 75 min

Localidades:
general: $ 40 pesos argentinos
jubilados y est. universitarios: $ 25 pesos argentinos (presentando acreditación)
Reservas: www.elcamarindelasmusas.com.ar / 4862 - 0655

Prensa y acreditaciones:
Julia Laurent / 15-6730-9282 / infojulialaurent@gmail.com

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RECORRIDO

En abril de 2009 Las Julietas estrena en Montevideo y es considerada por la crítica teatral especializada como “el diamante del año" . Desde esa fecha hasta nuestros días Las Julietas ha estado en cartel en prestigiosos teatros de la ciudad como Teatro El Galpón (salas Atahualpa y Cero), Teatro Circular de Montevideo y Teatro La Candela.

En 2010 alterna compromisos en la capital uruguaya con su inserción en el ámbito internacional, siendo seleccionada para representar a Uruguay en instancias como:

Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto, São Paulo, Brasil.
Julio de 2010

Festival Internacional de Teatro “El país en el país”, Insituto Nacional del Teatro, Argentina.
Setiembre de 2010

Ciclo de Teatro Uruguayo curado por el Teatro Solís de Montevideo y TIMBRE 4, Buenos Aires, Argentina. Octubre de 2010

Festival Internacional de Teatro “Santiago a Mil”, Santiago de Chile, Chile.
Enero de 2011

Para los años 2011 y 2012 recibe invitaciones de importantes Festivales Internacionales de Teatro de América y Europa.

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CRÍTICAS

Uruguay

Pelota al centro Julietas
Santiago Sanguinetti, Leonardo Pintos, Mariano Prince y Claudio Quijano. Gol.

"La obra se introduce entre lo más interesante que ofrece la cartelera teatral porque reúne a una dramaturga que hoy es referente en la escena local contemporánea, a cuatro actores que dan bocanadas de aire fresco desde el escenario -integran la generación del futuro más cercano- y una metodología de trabajo que reafirma el discurso que se imparte desde el escenario."
Bernadette Laitano – Sábado Show, 10 de abril de 2010.

Shakespeare y Maracaná. En busca de la uruguayez

“Una divertidísima y original relectura shakespereana con un notable elenco de actores jóvenes… El cruce de mitos, la sobriedad de recursos, el uso finísimo del humor reflexivo y una impecable dirección de actores que se “sacan chispas” unos a otros es la explicación de por qué Las Julietas ha sido un soplo refrescante en nuestra cartelera”.
María Esther Burgueño – Caras y Caretas, 2009.

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Brasil

Pieza de teatro mezcla Maracaná con Shakespeare

“Qué época los 50!”, dice, repetidas veces, uno de los personajes de “Las Julietas”, pieza de la uruguaya Marianella Morena aclamada por el público del 10° FIT.”
Marcos Grinspum Ferraz, Jornal Folha de São Paulo, 22 de julio de 2010.

El festival de las investigaciones escénicas

“La ruptura con la tradición propuesta por el 10° FIT se hizo notar en “Las Julietas”, de Marianella Morena, fusión de “Romeo y Julieta” con la realidad social uruguaya.”
C. Riera, L. Pinheiro y M. Grinspum Ferraz, Jornal Folha de São Paulo, 26 de julio de 2010.

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Chile

Crítica Las Julietas

“No es la primera vez que Marianella Morena se atreve con un clásico, ya había (des)montado a Moliere y a Florencio Sánchez (dramaturgo fundamental de ese país). Ahora podremos ver en Santiago a Mil “Las Julietas”. Divertida, reflexiva, inteligente: si me permite un consejo, no se la pierda.”
Fabián Escalona, sangría.cl, 27 de diciembre de 2010.

Obra Las Julietas, la joya del humor charrúa en Santiago a Mil

“Las Julietas son muchas cosas. Graciosa hasta el calambre, absurda hasta decir basta, pero por sobre todo, un refresco al teatro lineal, a ese teatro que sólo busca contarte una historia y con ella lograr alguna carcajada. Los recursos de las Julietas provienen de donde menos te lo esperas, es por eso que sorprende, es por eso que sales de la sala queriendo más.”
Felipe Zapata, 800.cl, 14 de enero de 2011.

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Argentina

Entre el fútbol y Shakespeare
Entrevista Marianella Morena. Habla de “Las julietas”, libre adaptación de “Romeo y Julieta”.

“Timbre 4, el espacio de Claudio Tolcachir, programó para este mes un ciclo de obras uruguayas en coproducción con el teatro Solís de Montevideo. Son tres propuestas que han cosechado prestigio no sólo en su medio local, sino en varios festivales iberoamericanos. (…) cerrará el ciclo con Las julietas . Un espectáculo que toma el imaginario de Romeo y Julieta, de Shakespeare, para dislocarlo y abordar cuestiones ligadas a la identidad uruguaya.”
Clarín, Espectáculos, Juan José Santillán, 12 de octubre de 2010.

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LA DIRECTORA
Marianella Morena.
Sarandí Grande, Uruguay, 1969

Directora teatral, dramaturga y docente. Egresa de la “Escuela Integral de Arte Escénico” de la Institución Teatral El Galpón.

Recibió becas a : Facultad de Arte de Bialystok y el Teatro Studio de Varsovia, (Polonia)especializándose en Nuevas Tendencias. A Francia por el proyecto Don Juan, donde trabajó en París con Adel Hakim director del Centro Dramático Nacional D’Ivry. El Instituto Goethe de Montevideo la selecciona para ir a Berlín.

Premios: Primer Premio Molière otorgado por la embajada de Francia, Dos Premio CCE Solos en el escenario l y lll. Premios Florencio.

Festivales Internacionales de Teatro: Venezuela, Nicaragüa, Brasil, Argentina, Paraguay, Chile, España y EE.UU.

La convocaron para dirigir: La Comedia Nacional. Teatro El Galpón, grupos de teatro independientes del medio y del extranjero. Productoras privadas, Instituciones públicas y privadas.

Investiga las confrontaciones escénicas en espacios de convocatoria masiva (discotecas, intervenciones urbanas) en el país y el exterior (España, Paraguay, Argentina).

A partir de 1996 se dedica a la escritura para la escena. (Los huecos del pan; Amnesia; Cuentos del ombligo; Elene Quinteros, presente; Industria Nacional; Juan/NO/Maria; Don Juan, el lugar del beso; Los últimos Sánchez; Resiliencia; Jaula de Amor; Antígona for ever; Las Julietas, Trinidad Ladrón de Guevara). Se convierte en sello de sus trabajos la utilización de lo real y la mirada personal sobre lo que nos condiciona política y sensiblemente.

Publicaciones: Artefato publica su texto y notas de dirección Don Juan, el lugar del beso, en una selección que realiza Roger Mirza, sobre nuevas escrituras, la nueva dramaturgia uruguaya. Su obra es estudiada por teóricos nacionales y extranjeros.

Prepara el estreno de Trinidad Ladrón de Guevara y Las Julietas en Buenos Aires. Como directora y dramaturga un espectáculo con la Comedia Nacional Uruguaya sobre la trata de blancas de principios del siglo XX. Como dramaturga, junto al director alemán Volker Lösch, un espectáculo que tendrá como eje temático el clásico Antígona y la realidad de ex presas políticas de la última dictadura uruguaya. Este espectáculo es producido por el Instituto Goethe de Montevideo y presentado por el Teatro Solís.

Julia Laurent
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Prensa Teatro-Cine
infojulialaurent@gmail.com
www.infojulialaurent.blogspot.com

Las Julietas en Santiago a Mil

2011-01-14T12:43:00.000-08:00

13 y 14 de enero, LAS JULIETAS en el Festival Internacional de Santiago a Mil (Chile). Algunas repercusiones...

La joya del humor charrúa en Santiago a Mil

Reportajes > Teatro 14 de Enero de 2011,

Por Felipe Zapata

Lo raro lo define el entorno. Si a nadie le parece raro, lo raro, pasa a ser normal, pasa a ser no-raro, incluso lo comprobablemente raro, no es raro. Las historias se entremezclan, los parlamentos se montan, todos gritan y nadie entiende nada. Una reunión de borrachos, eso es lo que parece, un club en donde sólo ellos son capaces de seguir la acción ¿y el resto? somos todos unos raros.

Entre tanto desconcierto (y algo de agobio) un asomo conductual se logra distinguir y lentamente las piezas comienzan a calzar. El orden entre tanto caos por fin se deja ver. La confusión de los primeros minutos desaparece por completo y ahora eres un raro más que se ríe con esos locos lindos que amaban a Julieta.

Cuatro actores en escena. Una escenografía simple, pero para nada simplona y cuatro queribles personajes, son los encargados de tomar el clásico Shakesperiano y combinarlo con la reconocible idiosincrasia uruguaya, con el Maracanazo, con el tango.

La directora Marianella Morena, logra entrelazar de manera perfecta la dramaturgia clásica de Shakespeare con la comedia absurda y ridícula, demostrando que se puede hacer un humor inteligente sin necesidad de caer en los clásicos chabacanismos y facilismos de los que intentan hacer reír.

Las Julietas son muchas cosas. Graciosa hasta el calambre, absurda hasta decir basta, pero por sobre todo, un refresco al teatro lineal, a ese teatro que sólo busca contarte una historia y con ella lograr alguna carcajada. Los recursos de las Julietas provienen de donde menos te lo esperas, es por eso que sorprende, es por eso que sales de la sala queriendo más.

Fuente: http://noticias.800.cl/archives/41782

Llegó la vuelta: Las Julietas de nuevo en el Circular.

2010-11-02T15:42:00.001-07:00

Y volvemos a volver. Después de las presentaciones en las ciudades de San José de Río Preto (Brasil), Goya, Corrientes, Resistencia, Eldorado, Posadas y Buenos Aires (Argentina), seguimos en Montevideo. A partir del 6 de noviembre de 2010, sala 1 del Teatro Circular, 23:30hs. Nos vemos ahí.

Estreno en Buenos Aires. Las Julietas en Teatro Timbre 4.

2010-10-15T11:34:00.000-07:00

El viernes 22 de octubre a las 21hs, y el sábado 23 de octubre a las 20hs y 22hs, LAS JULIETAS se presenta en el Ciclo de Teatro Uruguayo organizado por el Teatro Timbre 4 de Buenos Aires y el Teatro Solís de Montevideo.

Luego de Brasil, Argentina (setiembre, 2010)

2010-10-14T11:52:00.000-07:00

Las Julietas en el Festival Internacional El país en el país organizado por el INT (Instituto Nacional del Teatro) conmemorando los 200 años de la independencia argentina. Recorrimos Goya, Corrientes, Resistencia, Eldorado y Posadas (setiembre, 2010).

Entre el fútbol y Shakespeare, por Juan José Santillán (Diario Clarín, Buenos Aires)

2010-10-13T10:55:00.000-07:00

Marianella Morena, una de las dramaturgas principales de la escena montevideana, habla de “Las julietas”, libre adaptación de “Romeo y Julieta”.

Timbre 4, el espacio de Claudio Tolcachir, programó para este mes un ciclo de obras uruguayas en coproducción con el teatro Solís de Montevideo. Son tres propuestas que han cosechado prestigio no sólo en su medio local, sino en varios festivales iberoamericanos. Ya se presentó Gatomaquia , una adaptación de Héctor Manuel Vidal del clásico de Lope de Vega; este fin de semana habrá una adaptación de Los padres terribles , de Cocteau, por Alberto Zimberg. Y Marianella Morena, una de las dramaturgas y directoras fundamentales de la escena montevideana, cerrará el ciclo con Las julietas . Un espectáculo que toma el imaginario de Romeo y Julieta, de Shakespeare, para dislocarlo y abordar cuestiones ligadas a la identidad uruguaya.

Morena, actualmente en Berlín, cuenta que “ya me había aproximado a otros autores clásicos como Molière y Florencio Sánchez. Y Romeo y Julieta merodeaba desde hace tiempo en mi cabeza. En paralelo crecía un trabajo reflexivo sobre nuestra forma de hacer y responder en la escena. La identidad como lugar de existencia, política, económica y cultural. En Uruguay crecimos deseando ser habitados por otros textos -continúa la directora-. Y me gustó la idea de provocar un encuentro entre un gran macho del teatro como es Shakespeare y los clásicos nuestros que son más primitivos y poseen una decadencia encantadora. ” La obra fue gestada durante un verano previo al Mundial de fútbol. Y uno de los pilares de Las julietas es la fricción entre mitos. Por un lado, Shakespeare, y por otro, el mito de los uruguayos campeones de fútbol. De allí, que el espectáculo esté protagonizado por cuatro actores que atraviesan fragmentos de la obra y recalan en algunas zonas temáticas que la directora tomó como ejes de la puesta: “La discriminación, la intolerancia y la incapacidad generacional de conectarse con los jóvenes -explica-. Pero también me gusta hacerlo irónicamente, porque tomo postura sobre qué es hacer teatro hoy”.

“La obra se explica a sí misma, no hay un relato lineal -agrega-. A los actores se planteó un cruce entre la ficción y lo real. Ellos son voyeurs de las escenas, no hay personajes en el sentido convencional del término. Pero como no había una historia, tampoco escenografía y cambios de vestuario, me preocupé en que el texto elaborara saltos de imagen a través de la palabra y no por la preocupación de crear escenas, sino en la variación de textura, pasando de lo sucio, vulgar y ordinario a lo poético”.

Las julietas integró este año el Circuito de Festivales Internacionales del Instituto Nacional del Teatro. Luego de las funciones en Timbre 4, Marianella volverá a la Argentina para presentar el unipersonal Trinidad ladrón de Guevara , con la actriz Cecilia Cósero. “Esta basado en la gran actriz uruguaya y queremos hacer funciones tanto en Buenos Aires como en Montevideo -dice Morena-. Trabajé sobre la multiplicidad de palabras que cambian al igual que los estados de la vida y el teatro.”

Fuente: Diario Clarín, Buenos Aires (12/10/10)

http://www.clarin.com/espectaculos/teatro/futbol-Shakespeare_0_352164945.html

Julietas viajeras

2010-08-20T17:38:00.000-07:00

Revista Caras y Caretas. Las Julietas vuelven de Brasil y se preparan para ir a Argentina.

Festival Internacional de San José de Río Preto, San Pablo (Brasil, julio 2010)

2010-08-15T17:13:00.000-07:00

Repercusiones. Actores de la red O Globo hablan de Las Julietas. ¡Uruguayos campeones de América y del Mundo! (O cuartos en Sudáfrica, que después de tantos años es más o menos lo mismo...).

Entrevista a Marianella Morena para el FIT de San José de Río Preto (San Pablo, Brasil)

2010-08-14T11:47:00.000-07:00

¿Cuál es el concepto de la obra?

El diálogo. La convivencia del pasado con el presente, que los gigantes antiguos no aplasten lo nuevo, el encuentro estético-artístico entre geografías, generaciones, y tiempos, algo que sólo el arte permite: alterar lo vivo y lo muerto, desarticular¿qué está vivo y qué está muerto? Invertir los conceptos, reflexionar sobre el presente y como el presente es el teatro. La responsabilidad de un creador teatral es tener sintonía con su tiempo, su gente, su realidad.

El diálogo es histórico, es político y es la única forma de conciliar pasado y presente, de generar un encuentro potente, conciliador, multiplicador de miradas y con apertura de espacios internos y externos.

Que la realidad sea parte de la creación, que lo real ingrese en los ensayos, que nada de lo que nos sucede sea ajeno en los encuentros de creación.

Integrar, ingresar, ser permeables, vulnerables para resistir y no dejarnos distraer por los ruidos ajenos. Trabajar desde quienes somos en este hoy que nos determina con sus urgencias, sus sensibilidades nuestra forma de percibir y elaborar los estímulos, los materiales artísticos, domésticos y personales. Que las fuentes de influencia y los disparadores no estén concentrados únicamente en los paquetes de teoría teatral y referentes teatrales , estéticos, artísticos, que lo propio, la experiencia mínima y el ser cotidiano en lo creativo deje su huella, que la edición no recorte el encuentro vivo de las personas sino que lo incluya. Esto genera y dispara una nueva concepción sobre lo estilístico y las formas puras. Lo homogéneo hace rato desapareció y nos interesa incluir en el paisaje de la creación escénica recursos austeros en la escena.Pero no descartar el paisaje de múltiples planos en el lenguaje, y en los vínculos que desata el lenguaje vivo, presente, en la convivencia y en la dimensión que establece un lenguaje vivo. Esto se traduce en: concentración en el texto y en los actores.

El actor como parte de la dramaturgia y el concepto, no representa, ES.

¿Cuál es la búsqueda y la motivación del grupo?

El ser y no representar. El estar y no llegar. El vínculo real, y multiplicador de vínculos con el otro , ya sea : actor, director, público.

Tomar fuentes escritas organizadas y mezclarlas con otro tipo de texturas: diálogos cotidianos ocasionales, conversaciones, reflexiones sobre el arte y el teatro, fuentes periodísticas, imágenes plásticas, testimoniales, músicas, otras obras. Cruce de miradas y traducción de materiales con un solo objetivo: la escena.

La escena como emergente de lo que tenemos y no como meta de un supuesto ideal que planeamos a solas. La escena como vínculo y conflicto desde los que estamos, los que se van y los que ingresan, eso establece e impone la dinámica de lo real y lo que es y no lo que se pretende o pretendía en sus comienzos y que va cambiando.

Por ej: actor que se va, que renuncia, dinero que no hay. Las dificultades se incluyen como parte de lo real que nos interesa incluir y no recortar.

Las dificultades dependen del punto de vista, la intención es capitalizarlas a favor y no angustiarse porque eso deriva en el bloqueo. Nos importa el diálogo con nuestra identidad personal, colectiva, y con el yo íntimo.

Tener un contacto fluido, y no rígido con los resortes emocionales, sociales, estéticos, porque la reacción es la base de la escena. Una reflexión en construcción sobre la opinión en cada proyecto. Que lo artificial deje de ser el motor y el lugar a donde llegar. Que lo único que nos sostiene es la VOZ de cada uno, esa es la única posibilidad de existencia en la creación, encontrar la voz, dar la voz, potenciar, respaldar y fortalecerla.

Representar buenos textos con buenos actores, es una línea universal que globaliza las artes escénicas y que elimina la personalidad del teatro con sus creadores en cada contexto. Quita huella e identidad. Es la vieja concepción de la colonia. Apostamos a un teatro que corte el cordón umbilical con Europa, que pueda quitarse la colonia de la cabeza, y que empiece a equivocarse sin culpa, sin miedo, porque no hay otra forma de hacer camino.

Que la persona esté antes que el personaje y que el personaje no sea una meta. Trabajar desde quienes somos en toda su dimensión, donde estamos, que hacemos, y cuanto dinero tenemos en el bolsillo. Que el compromiso no instale la trascendencia, que lo importante no elimine la alegría, el juego, el erotismo, la entrega. Eliminar la solemnidad como espacio de jerarquía que solo instala lo rígido, lo muerto. Que la escena esté viva y para eso todos debemos estar vivos en cada instante. Vivos, quiere decir: en estado de alerta, con capacidad de reacción frente a lo que sucede, lo inesperado, lo cotidiano, el texto, las situaciones, que todo forme parte del material de trabajo. El material debe tener proveniencia propia, debe ser elaborado con nuestras necesidades.

¿En que ve usted que la obra conquista la singularidad y empuja al teatro contemporáneo a nuevos caminos?

La intertextualidad, las líneas y la multiplicación del relato, lo metateatral, lo postdramático, se explica a sí mismo, no mantiene una estructura clásica, se abre permanentemente a otras cláusulas, como pastillitas que sobreviven entre lo real y la ficción, pero todo en una imagen muy realista. Es decir: lo que vemos es a cuatro hombres sentados conversando como si estuvieran en un bar, una plaza, una espera, suplentes de algo, la actitud, la expresividad y la gestualidad es hiper realista, pero las dimensiones del diálogo tienen saltos de lo real, lo surreal, lo documental, y la ficción pura en mezclas de estilo, pero manteniendo el pulso vivo en la conversación.
La fragmentación es inevitable porque no se elige, ella determina la forma de existencia.

¿De qué habla la obra?

De una obra que habla de otra en un mismo tiempo.Cuatro actores jóvenes, suplentes, en espera, quieren ensayar, pero no tienen a nadie, recuerdan a otros actores que fueron jóvenes que hicieron fragmentos criollos de Romeo y Julieta y recorrieron el interior del país. Nadie los recuerda, como todo en el Uruguay. Habla de nuestros estereotipos masculinos, de la identidad masculina, pero también de la exposición de cada uno, de cómo se encuentran en las diferencias, de las fantasías exhibidas, de la miseria entrañable. Son jóvenes pero a veces se confunden en medio de esa actitud de espera porque venga. ¿Quién el director, el dinero, un mejor trabajo, una mujer, la obra de sus vidas, un mejor país, un reconocimiento afuera? Ellos esperan y mientras tanto conversan de cosas que pasan de lo metafórico a lo realista, surrealista, del absurdo a lo más torpe y cotidiano, de las fantasías de amor a textos propios de Romeo y Julieta, donde recuerdan representándolo desde ellos mismos, desde el banco de suplentes.

¿Cuáles son las influencias principales en esta investigación?

Romeo y Julieta, Shakespeare. Estereotipos masculinos uruguayos, el mundial de 1950, ―uruguayos campeones‖ como estigma social y cultural de un país, Cindy Shermann por la investigación que ella hace del personaje desde el autorretrato: el YO como espacio de construcción. Monty Phyton como desacralizadores de lo clásico, en la convivencia de lo trágico con el humor. Materiales testimoniales de 1950, imágenes, textos, modalidades de la época. El circo criollo, el varieté, el cabarét, los modelos de ensayo de las primeras compañías criollas, y nuestros propios comentarios sobre el hacer teatro, la comunidad y sus reglas, las leyes y la ironía, la sensualidad de la escena, y el encuentro como espacio erótico. Mi casa, y las intervenciones familiares cotidianas que vivíamos en los ensayos. Los sucesos personales que se vivieron durante el proceso. Todo fue traducido hacia ´Las Julietas, ellas esperaban ansiosas alimentos de distinta índole y proteínas.

¿Cómo se relacionan Romeo y Julieta con Uruguay y con la humanidad en este hoy?

El núcleo mantiene su vigencia. Yo soy una espectadora de las telenovelas brasileñas, me gustan mucho, y he encontrado en algunas de ellas grandes similitudes con Shakespeare, me refiero a : el tironeo de los personajes de forma constante, los vínculos, pero sobre todo, la dimensión humana, ese gigante donde entra todo: lo trágico, la comedia, el drama, lo sucio, lo limpio, la miseria la grandeza. Y he podido ver como Shakespeare alimenta. Ese es mi punto de contacto y de interés. Creo que los grandes tienen que cumplir esa misión: seguir aportando alimentación a la humanidad.

La humanidad no puede ser tan tonta y considerar que la fidelidad es repetir palabra por palabra. Lo que ha evolucionado de Shakespeare al hoy es la multiplicidad de estímulos que recibimos y la producción de obra y discurso que ha sucedido. Esto induce y modifica la sensibilidad estética –ética y la forma de relacionarse desde lo subjetivo hacia las otras subjetividades que nunca son objetivas, por lo tanto, algo que ha cambiado es instalación de lo fragmentado como vínculo en todas las relaciones humanas. La fragmentación no es una elección o una decisión, existe per se. Querramos o no, ella es la que determina los nuevos modelos de relacionamiento y de producción.

¿Cuál es la importancia del mito? ¿Piensa que lo contemporáneo tiene mucha relación con ello con respecto a la etapa clásica o más antigua?

El mito es importante en si mismo, que sea sostenido en el tiempo y que pueda atravesar y sobrevivir todo. Pero siempre , el que creador vivo es el que tiene la obligación de resolver y entender, (para eso tiene que estudiar y aplicar su estrategia)como se instala el Mito en cada presente y en cada contexto. La obligación y la responsabilidad de los artistas es que el pasado sobreviva pero no destruya el presente, sino permita dar luz sobre los que no han nacido. Esa es mi opinión. Destruir o ignorar a los que nos anteceden es inoperante, y tarde o temprano el pasado vuelve, porque es memoria, porque está adentro del presente. Creo que lo más difícil es pensar y reflexionar sobre cómo hacemos para que estos dos (pasado y presente) se apoyen mutuamente.

Su grupo es considerando uno de los mas experimentales en Uruguay. ¿Es esto cierto? Cuénteme sobre la trayectoria del grupo.

La experimentación es la base de cualquier artista. Algunos tienen conciencia de que es así y otros no, algunos creen en sí mismos y otros apelan constantemente a la mirada y el criterio ajeno como faro en sus proyectos. Prefiero siempre pararme en la duda, ese territorio gigante, fascinante que te permite estar en vigilia, mitad sueño y mitad desasosiego, porque es el único lugar del aprendizaje. Yo armo mis cosas para saber quien soy y qué quiero saber. En el momento en que uno conoce una respuesta, las preguntas se multiplican. No hay respuestas, uno necesita aprender, y para eso deber hacer y cuando uno hace aprende y se equivoca, por lo tanto necesita volver a hacer como fuente de conocimiento interno y del otro. No hay otra realidad posible más que el error y la dimensión del error. El grupo nace con este trabajo y se ha ido consolidando a través de las funciones, los proyectos y el deseo de compartir con otros nuestra experiencia. A partir de entrevistas y de convocatorias que hemos tenido con varios grupos de formación tanto de actores como de docentes para primaria, estudiantes de bachillerato artístico, hemos resuelto trasladar esas inquietudes en un proyecto taller de intercambio y donde la metodología de Las Julietas pueda apreciarse y comprenderse mejor.

El punto son las escenas como material disparador-material dramático, situación previa para improvisaciones de los talleristas.

Nuestros shakespeares, por Georgina Torello (Dossier Crítico)

2010-08-13T12:48:00.000-07:00

Sin necesidad de aniversarios que promuevan revivals ornamentales, el isabelino pasa por uno de sus mejores momentos: lo intervinieron Marianella Morena (Las Julietas) y María Dodera (Los Macbeth’s) –por su parte la Comedia Nacional se empeñó, para el final de temporada, con otro Macbeth dirigido por Mario Ferreira. Con poéticas desemejantes que además varían para cada espectáculo, Morena y Dodera declinan también esta vez, de manera diferente y en cierta forma antitética, sus apropiaciones de Shakespeare. Es decir, usan al “clásico” cuando es necesario, pero lo abandonan sin empacho ni culpa, saliendo de una lógica de respeto/no respeto que tanto afectó y afecta a nuestros países, y a toda su producción simbólica, desde la colonia hasta hoy.

Con una posición desenvueltamente postcolonial que Edward Said adoraría Las Julietas, de Morena, aunque multiplique el nombre de su personaje más enamorado e infausto al mismo tiempo (equiparable sólo a la Francesca de Dante) no reserva para Shakespeare la primera fila. El espectáculo funciona sólo en la medida en que el público entiende que el centro de interés, el objeto del discurso, no pasa por el uso del británico, ni siquiera por el acto parricida o por una decidida superación de la angustia de su influencia: desde el primer parlamento hasta el último los actores, Alejandro Gayvoronsky, Leonardo Pintos, Claudio Quijano y Santiago Sanguinetti, nos ofrecen un espejo, más o menos grotesco (tanto como seamos capaz de verlo/nos) del Uruguay de los últimos sesenta años. La operación no es nueva en la directora: como sedujo y abandonó a Molière cuando ya no lo necesitaba para escribir desde un lugar propio (Don Juan, el lugar del beso, 2005) y a Florencio Sánchez para darnos una versión aggiornata de sus restos (Los últimos Sánchez, 2006) lo mismo hace ahora con Shakespeare.

A través de cuatro actores en escena que sugieren algunos “tipos” autóctonos, pero son lo suficientemente elásticos para encarnar otros héroes, Las julietas mapea nuestra identidad (anclada en ese “soy celeste” o en “uruguayos campeones”) para descomponerla y arreglarla/rearmarla luego con una mirada extrañada. El espectáculo de Morena no acompaña de la mano al espectador “irritado” (como lo llamó Pirandello en Cada cual a su manera, 1924) y yo agregaría al espectador perezoso, en su recorrido por la nueva cartografía: hay que transitar solo por los parlamentos fragmentados, por los sentidos fragmentarios, atar los cabos que deja sueltos, tener ganas de ese fill in the blanks obligado para disfrutar el viaje. Pero una vez que se entra en el juego el blandengue y el italiano, el “bruto actor” y el don Juan crean algunos espacios del mejor humor (y las más fuertes risas del público) que se veía en mucho tiempo. El fragmento no corta la comunicación ni la gracia: la prolonga (...)

Fuente: Dossier crítico (julio, agosto 2010)

Pelota al centro Julietas, por Bernadette Laitano (Sábado Show)

2010-05-10T13:05:00.000-07:00

Cumplen un año en cartel y dividen las opiniones en múltiples bandos. Aseguran que el espectáculo no es el mismo desde su estreno y no dudan al confirmar que hay espectadores que los esperan para felicitarlos, pero también los hay que se marchan a mitad de la obra mientras rechazan la idea de que "eso" sea teatro. Los colegas les agradecen y la crítica especializada no coincide en su "veredicto" final. Las Julietas, la última creación de Marianella Morena, se prestó al juego teatral.

"Te lo cuento así porque fue de una manera accidental y azarosa. Me encontré con cuatro actores jóvenes que tenían ganas de hacer algo, de hacer un proyecto teatral. No teníamos más que el deseo de trabajar y planteé hacer una especie de duelo de dos íconos, un ícono gigante del teatro universal como es Shakespeare y un ícono de nuestra identidad, nuestra nacionalidad, como es el fútbol y el Maracaná de los `50. Al principio podía generar un gran desconcierto y creo que esa fue la génesis del espectáculo", señala la directora, quien reconoce la incertidumbre a la que podría estar invitando no sólo a los actores sino, también, al público. Es que en Las Julietas dialogan, como adelantara Morena, una de las obras emblema del autor inglés -Romeo y Julieta- con lo que representa el Maracaná para la identidad nacional. ¿Qué tienen en común? Una gloria pasada que, quizá, opaque a lo que respira e identifica al presente.

Sobre la génesis de la obra, Morena resume: "Si bien no había una escritura previa, yo les planteaba cosas como `Tomen esta escena de Shakespeare y cambien el punto de vista`. Nunca les planteé `Sigan al personaje, interpreten, representen`, creo que eso también genera una cierta comodidad y libertad porque no tenés el apuro de construir, de llegar al personaje como una meta. Por supuesto que está la voluntad y la confianza de entregarse a ese proyecto que no tenía ni pies ni cabeza: no había un lugar a donde llegar, no había una escritura, no había un reparto, no había nada, desde el punto de vista más convencional, de cómo se gesta un proyecto dramático".

La obra se introduce entre lo más interesante que ofrece la cartelera teatral porque reúne a una dramaturga que hoy es referente en la escena local contemporánea, a cuatro actores que dan bocanadas de aire fresco desde el escenario -integran la generación del futuro más cercono- y una metodología de trabajo que reafirma el discurso que se imparte desde el escenario.

"Tenemos esto, somos estos actores, vivimos en Uruguay en este tiempo y queremos reflexionar y pensar sobre determinadas cosas que nos atraviesan, como nos sigue atravesando Shakespeare, como nos atraviesa el fútbol y el peso que tenemos por el Maracanazo, y como nos atraviesan todos los comentarios que puede haber sobre qué es hacer teatro, cómo se hace teatro, desde la interna, desde nuestra formación, desde los comentarios con los colegas o los comentarios de un espectador o un crítico".

También lo explica Leonardo Pintos, uno de los actores: "Ahora tenés una nueva corriente de dramaturgos y directores, ¿en qué lugar entra el actor ahí? O seguimos con el rol pasivo en el cual cada uno está en su casa esperando que lo llamen o elegimos un camino en el cual uno puede gestar su proyecto y opinar. A mí eso es lo que me parece interesante y por eso elijo hacer teatro, y por eso a la hora de involucrarme en un proyecto son las premisas de las cuales parto (N.R. su anterior trabajo fue en Mi muñequita). Estamos actuando pero, a su vez, estamos dejando una opinión política, social y creativa, y la estamos armando con la directora que escribe y toma eso. El diálogo que hubo fue fantástico, no era `parate ahí, entrá por acá, este es tu parlamento y ahí está la puerta, entrá por la derecha`, o sea, uno participaba del juego y Marianella dio una libertad creativa absoluta".

Morena agrega: "A veces, ellos son los que dominan la cancha y llega un momento en que decís `Ta, ahora soy yo la que voy a ordenar`. Eso creo que es teatro contemporáneo, escuchar al otro, dar participación y en un momento cada cual va a hacer su rol, nadie le va a quitar el rol a nadie".

La génesis en ningún momento provocó angustia creativa, por el contrario: "Estábamos trabajando pero, además, nos estábamos divirtiendo. A veces se entiende que vamos a ensayar y tenemos que hacer silencio, concentrarnos, respirar azul, tirarnos en el piso. Nosotros entrábamos por otro lado. Estábamos ensayando y era inevitable que sonara el teléfono, que se rompiera un caño, que te pasara la gata, que le cayera un recibo a Marianella, a Claudio lo llamaba la mamá y eso también lo incorporamos como parte del proceso creativo. Había un interés por trabajar con el ser creativo, pero también por trabajar con el ser cotidiano", señala Pintos.

Las Julietas va los sábados a la medianoche en el Teatro Circular. Ese dato podría inducir a afirmar que el público que convoca es mayoritariamente joven, sin embargo, aclaran que esa es una verdad a medias porque en los espectadores hay heterogeneidad ("Ves gente que se para y se va, adulta y joven"). Lo que sí se puede afirmar es que se trata de un espectáculo al que se acercan los jóvenes, en comparación al resto de la oferta teatral que puede no seducirlos en totalidad.

"Más allá del resultado final, hay una toma de postura y de decisión. Yo quiero reírme de quienes somos y quiero hablar de quiénes somos. Me parece que es tu lugar como creador, ¿si no, por qué sos creador? ¿Por qué se considera más importante hacer un Shakespeare perfecto, que alguien que habla de su tiempo? No estoy desconociendo lo otro, no es eliminar lo otro, es incorporar esto, lo nuevo, que es empezar a vernos en nuestros lugares comunes".

Fuente: Sábado Show, Diario El País (10/4/10)

Nuevo día, nuevo horario, nuevo teatro...

2010-03-29T01:39:00.000-07:00

A partir del sábado 3 de abril, todos los sábados a las 24hs LAS JULIETAS en el Teatro Circular de Montevideo. Trasnoches shakespereanas... o algo así. Para agendar: sábados, 24hs, El Circular.

SE ABRE LA SEGUNDA TEMPORADA DE LAS JULIETAS

2010-01-12T09:45:00.000-08:00

REESTRENO: JUEVES 14 DE ENERO DE 2010.

21HS, TEATRO EL GALPÓN (SALA CERO).

(A pedido de la asociación de sopladores de bolsitas para embutidos...)

Balance de la temporada teatral 2009. Por Georgina Torello (La Diaria)

2010-01-11T09:20:00.000-08:00

La patria en escena

Uno de los rasgos más curiosos de la temporada fue la presencia masiva de Shakespeare. El público anglófilo tuvo oportunidad de saborearlo en varias salsas: la exquisita reescritura de Marianella Morena "Las Julietas" (el zafiro del año, si no su diamante)...
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Fuente: La Diaria, 7 de enero de 2010.

Entrevista a Marianella Morena. Ética y subversión (Caras y Caretas)

2010-01-10T09:12:00.000-08:00

Don Juan, Los últimos Sánchez, Resiliencia y Las Julietas, obras dirigidas por Marianella Morena, están entre los espectáculos más impactantes de la década. Es una de las artistas más removedoras de la escena montevideana, junto a Gabriel Calderón, María Dodera y Roberto Suárez.

B.L.
Directores de escena como Mariana Percovich, María Dodera, Roberto Suárez y Alberto Rivero marcaron a fuego el teatro uruguayo en la década pasada. Trajeron una necesaria renovación, montaron sus espectáculos en espacios no convencionales, provocaron con una estética estridente, estrenaron textos de una necesaria nueva dramaturgia -en primer caso argentina, presentando nombres como Spregelburd y Tantanian- y de europeos contemporáneos como Koltés, Müller y Tabori. Esa fermental generación hizo escuela en esta década, en la que surgieron grandes artistas como Gabriel Calderón, Marianella Morena y Santiago Sanguinetti, pero estos nuevos directores probaron también con dramaturgias propias o bien cercanas. Aunque de una generación intermedia, el ejemplo de Morena es el de una personalidad teatral muy potente, que si bien debutó como directora en esta década con la impactante Don Juan está a mitad de camino entre una nueva sensibilidad -más lanzada y provocativa- y su evidente cercanía con la generación de la posdictadura. Más allá de las palabras y los conceptos, lo importante es también la obra, que en el caso de Morena incluye una relectura nihilista de Sánchez con una actuación antológica de Alberto Restuccia, o bien el delirante camino abordado por el elenco de Las Julietas para satirizar y vampirizar a la siempre tan conservadora y pacata identidad uruguaya.

***

La nueva generación de directores apela a una dramaturgia propia o cercana, de autores uruguayos... ¿Por qué creés que se da esa tendencia, que es ciertamente opuesta a la necesidad de mirar hacia afuera de la generación de los 90?

El teatro uruguayo necesita tener identidad y para eso necesita fortalecerse y mirar para adentro, trabajar sobre nuestra realidad y poner todo el esfuerzo en potenciar y desarrollar un lenguaje propio. Eso sólo se da con confianza en los creadores en sus distintos ámbitos: formación, debate, reflexión, producción, investigación, publicación, experimentación multidisciplinaria y un conocimiento profundo sobre quienes somos y de donde venimos. Para que eso suceda debe entrenarse a los artistas de la escena y a sus públicos, para que la ética no se cristalice únicamente en la ética del artista y su disciplina, y para que la ética tenga una permanente reformulación, adaptándose a los cambios imperantes por las nuevas generaciones.

¿Cómo imaginás esa reformulación ética?

Habría que preguntarse primero cuál es la misión del teatro uruguayo, y también cómo se ubica el rol del director en el teatro uruguayo... Yo creo que el objetivo es que el teatro esté vivo en su contexto, con sus parámetros, con su realidad, con su economía y con sus problemas, sus debilidades y sus fortalezas. Para que eso suceda la independencia ideológica es fundamental, la independencia artística es indispensable para colocarnos en un lugar de producción real y no siguiendo las líneas de sucursales ambulantes del “gran teatro”. Todo el teatro es político. Si yo hago un Chéjov, un Shakespeare o un Sófocles, tal cual son, es una actitud política: donde decido, elijo, priorizo poner en primer lugar, poner por encima de todo al autor y ser conciente y responsable sobre lo que desencadena, la multiplicación que implica y la legitimación de un discurso: le rindo homenaje y me someto a su disciplina ideológica.

En varios de tus espectáculos trabajás sobre dramaturgias anteriores, para reelaborarlas: Moliere en Don Juan, Florencio en Los últimos Sánchez...

En mi primera experiencia de reescritura con el Don Juan de Molière, que tampoco era totalmente de él, la primera fidelidad que establecí con el autor fue con el motor de la escritura. Ir por la pulsión atravesando un lenguaje caduco y perimido para nosotros, pero adentro de este lenguaje todavía latía el pulso original. Esa es la fidelidad, el resto es contexto histórico que pauta cómo, con qué palabras, estructuras y modalidades debe escribirse... ¿Para quién trabajamos ? ¿Para Shakespeare o para nuestros creadores y nuestro público? ¿Qué estamos diciendo por debajo si no se pueden tocar los textos? Saber quienes somos, qué estamos haciendo, por qué estamos haciendo lo que estamos haciendo, variar el ejercicio, la mirada, el punto de vista, el vínculo. En el arte no se puede decir "esto está vencido, o es tóxico, o los nuevos avances hablan de tal cosa", como pasa en la ciencia, y se termina la discusión. En el arte lo único que se tiene a favor o en contra, es el tiempo. El tiempo que le lleva a una sociedad asimilar lo nuevo, comprender que hay cosas que ya no funcionan más... esa resistencia en Uruguay está consolidada por franjas que se apoderan de la voz y la convierten en la voz de todos aunque no sea representativa. Aunque hay esquemas anticuados, donde se sigue creyendo que el teatro es representación de un texto, hoy lo que se discute en los ámbitos de formación, creación y experimentación es la vida de la escena. Eso marca el antes y el después. Antes se montaba una obra a través de la elección de un texto, luego se hacía el reparto adecuado. Yo no elijo más actores para los personajes; primero el actor y desde el actor elijo el personaje. Trabajo con la realidad que determina un modelo, porque el personaje no es una meta, el personaje nace del actor. ¿El actor trabaja para Hamlet, o Hamlet trabaja para el actor?

¿Cuál sería la pregunta esencial de un director de escena contemporáneo?

Director te hace el actor, te hace la palabra que crece en el actor, te hace el espacio que habita el actor cuando la luz revela otra dimensión, cuando el material escénico vibra como pieza única e independiente. Ellos son los que dan el título y la autoridad. ¿Cómo se organiza el mundo del creador de la escena? ¿Qué antecede a su creación? ¿Cómo se habita la realidad y convive con la creación? ¿Cómo convive lo subjetivo con lo concreto de la producción, y la independencia para desarrollarse en el estilo personal y tener autoría? ¿Cómo se es director de escena teatral en Uruguay? ¿Cuál es la diferencia entre un artista y otro que hace cosas? La creación es una construcción responsable entre la subjetividad y la realidad. Una tensión entre sobrevivir y ser, para nunca dejar de ser, aunque no se pueda sobrevivir, aunque la sensibilidad y la realidad no coincidan y nos aturda la convivencia. Se debe ser cada día más vulnerable a la realidad ajena y a la propia, y cada día más fuerte para proteger esa vulnerabilidad. La desesperación, el riesgo, el deseo de crear lenguaje, de tener identidad, que lo propio sea compartido y que el lenguaje creado pueda ser dialogado entre las partes: eso determina a un artista. Después están los resultados, que pueden estar descontextualizados de tiempo, historia, realidad, circunstacias, demasiado adelantado o con pocas herramientas para el público que recibe la obra. No me entusiasman los resultados puntuales, me entusiasma la búsqueda permanente. Un artista es quien se construye y se destruye a sí mismo.

¿Cuáles son los grandes desafíos del teatro uruguayo contemporáneo?

Muchos. Primero ordenar lo que hay. Segundo, tener más autonomía, autoestima para no depender de lo que los otros digan sobre nuestro trabajo. Crear redes de artistas para tener un lugar común para exponer el trabajo y el pienso sobre el trabajo. Reflexionar, sistematizar y debatir más sobre nuestro presente, fuentes, disparadores, y el ojo sobre nosotros. Construir una plataforma propia que comunique desde el creador. Tener mayor inserción en el panorama de las artes escénicas internacionales. Tener mayores espacios de encuentro para crear, intercambiar, no enfrentarnos sino sumar puntos de vista, que varios directores dirijan una misma obra, que la diversidad de luz y no contradicción, que la diferencia sume y no espante o de pelea como era antes. Nuestra riqueza radica en eso: somos todos distintos, qué bueno.
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¿Es posible equilibrar el apoyo a los artistas emergentes con el repecto a la tradición y el legado de viejas escuelas?

Ni el cine, ni la tele, ni el dvd, ni el cable mataron el teatro, por lo tanto nada lo matará porque es único y eso es algo que se ha entendido. No compite. Es único en su especie. Lo contemporáneo es eso; comprender el valor de lo que se tiene, no pretender ser otra cosa, no desear lo ajeno. Esa comprensión de que lo otro, lo importado, era mejor, está cayéndose a pedazos, porque naturalmente impera la esencia y la identidad. Para luego conciliar, negociar y aceptar las formas estéticas y políticas de expresión y comunicación, y esa es la etapa más dura y agresiva entre la lucha del joven y el viejo, pero esa es la historia de la humanidad, del hombre y del animal. No es cuestión de ir contra nadie, tampoco contra la naturaleza. Siempre ha sido así y sigue siendo así: el joven quiere matar al viejo y lo puede vencer por vigor, pero el viejo lo vence por zorro. Los dos son tigres peleando por lo suyo, no hay inocentes... a los inocentes los mató Herodes. Eso hace también que cada vez se piensen sistemas más sofisticados para sobrevivir.

Fuente: Caras y Caretas, diciembre 2009.

Esto pasó en el teatro. Por Bernadette Laitano (Sábado Show).

2010-01-09T08:53:00.000-08:00

El año 2009 no fue la excepción y entre estrenos y reestrenos la cartelera capitalina ofreció más de 150 espectáculos.

Teatro nacional

LOS QUE ESCRIBIERON

Dramaturgos nóveles (cada vez más) conviven con creadores poseedores de nombres que el público asiduo reconoce. En ambas generaciones, la escritura convive con la dirección, pero no es posible determinar qué inspira a la nueva camada porque la variedad lo domina todo. (...) Marianella Morena jugó con cuatro actores en Las Julietas y demostró que está lejos de cualquier encasillamiento. (...)

Directores

Algunas batutas

La perfección en la globalidad de un espectáculo tiene por detrás la mirada del director. La escena local posee nombres que saben mantener su lugar de referentes en la creación contemporánea como Marianella Morena, camaleónica, que escapó a los encasillamientos en Las Julietas (...)

Actuaciones

Ver para creer

No hay personajes grandes o chicos, hay actores buenos o malos y varios artistas demostraron la validez de esta frase con sus trabajos en escena. (...) Elencos imperdibles fueron los de Los padres terribles (A. Garateguy, R. Bornes, C. Moscatelli, N. Campo y Sergio Muñoz), Las sirvientas (Cecilia Baranda, Pilar Cartagena y Pelusa Vidal) y Las Julietas. (Sanguinetti, Pintos, Gayvoronsky y Quijano)...

Fuente: Revista Sábado Show, diciembre 2009.

Movida Teatral. Década 2000. Por Debora Quiring (Revista Freeway)

2010-01-08T08:41:00.000-08:00

Es impactante enterarnos de la existencia en Uruguay de ciento veinte grupos de teatro joven (es decir, menores de treinta años), que actualmente tratan de llevar adelante un proyecto común: hacer teatro.A lo largo de esta década pudimos ver la emergencia de un pequeño grupo de jóvenes que, poco a poco, comenzaron a consolidarse. Entre muchos podemos nombrar a Gabriel Calderón, Santiago Sanguinetti, Leonardo Martínez, el reciente Fernando Nieto y Sofía Etcheverry. La mayoría de ellos vivió la dictadura a través de los relatos de sus mayores, ya sea porque eran niños o porque nacieron luego. Les interesa más “romper” que seguir tradiciones o lugares comunes; miran hacia afuera para después crear, en especial Argentina y sus grandes creadores contemporáneos, como Spregelburd, Veronese, Bartís, Tolcachir y Kartún. Existe un grupo anterior, para evitar hablar de generaciones, caracterizado por su paternalismo, su apertura al diálogo y a la interacción, como Mariana Percovich, Roberto Suárez, Alberto “Coco” Rivero, Gabriel Peveroni, Ivan Solarich, Marianella Morena, Raquel Diana y María Dodera. Promotores de este nuevo grupo emergente, continúan su producción sin mantenerse ajenos a las dificultades que puedan enfrentar (aunque algunos ya estén institucionalizados), y a veces los incluyen en sus proyectos escénicos. El apoyo a los artistas a evolucionado considerablemente. Recordemos que desde el 2005 el Ministerio de Educación y Cultura le ha otorgado al área cultural un papel más activo. A Escena es un programa de fortalecimiento de las artes escénicas, y Laboratorio es un centro de creación e investigación que complementa lo desarrollado por este programa en tres áreas, dramaturgia, dirección y coreografía.También el Centro Cultural de España ha implementado Solos en el escenario para buscar promover la escritura.Desde luego que las dificultades continúan, el medio es chico y la oferta es mucha. Tal vez demasiada, lo que lleva a que no se priorice la calidad frente a la taquilla. Pero lo que se debe subrayar es la emergencia de jóvenes talentos que pese a ser mirados con recelo, han demostrado la fuerza con que llevan adelante su pasión, muchas veces acompañada de trabajo y disciplina. A modo de cierre 2009, reiteramos la recomendación de dos muy buenos espectáculos: Las Julietas y Quiroga con la luz prendida. Dos muy buenos ejemplos...

Fuente: Debora Quiring, Freeway (diciembre, 2009).

Ahora los jueves 21hs. en la Sala Cero de El Galpón.

2009-09-11T14:35:00.000-07:00

Y volvimos a volver... Ahora en la Sala Cero de El Galpón todos jueves a las 21hs. Y hasta que las velas ardan. Aunque sin velas por disposición municipal...

Volvemos. Teatro El Galpón recibe a Las Julietas. 8 únicas funciones.

2009-08-05T20:10:00.000-07:00

Siguiendo las huellas de nuestros abuelos, y después de la gira soñada por Paso Belastiquí, Cerro de la Petisa, Villa Velázquez, Rotonda Gorda, Pando, Los Tórtolos, Sauce Rengo, Club Municipal de Sarandí de Navarro, Centro de Bochas de Playa Verde (donde, para nuestro regocijo, algunos memoriosos todavía recuerdan la noche en que el abuelo de Claudio compró choripanes y Coca Cola para toda la audiencia, unas quince personas), reponemos en Montevideo. Aquí algunas fotos de los primeros ensayos en El Galpón, con nuevo Bruto Actor: Mariano Prince. El próximo año nos espera Marindia y el Club Unión Vecinal de Paso de los Mellizos, pero de eso hablaremos en el 2010. Como nos enseñaron los viejos: a puro pulmón y sin un mango en el bolsillo...

LAS JULIETAS, Sala Atahualpa (Teatro El Galpón). Sábado 21hs, domingo 19hs. Únicas 8 funciones (del 8 al 30 de agosto de 2009).

Shakespeare.uy. Por Bernadette Laitano (Sábado Show)

2009-08-04T18:31:00.000-07:00

La presencia del autor inglés en la cartelera encuentra diferentes caminos para la representación, desde la lectura clásica, hasta las versiones más alejadas. Su genialidad, todos coinciden, no se discute.

Cuatrocientos años después de su muerte, Shakespeare sigue siendo el autor teatral más popular de cualquier período. No hay autor clásico ni contemporáneo que lo opaque en ese sentido. Y para reafirmarlo, alcanza con nombrar Romeo y Julieta. Pensar en Romeo es pensar en Julieta. Son dos nombres que difícilmente nuestro imaginario hoy pueda pronunciar por separado. Y decir Romeo y Julieta, es decir Shakespeare, aunque no todo el mundo haya leído la obra o visto la representación teatral. Más aún, aunque varios ni siquiera estén seguros de cómo se escribe correctamente `Shakespeare`, son muchos más los que tentados por un balcón, han parodiado la escena más famosa de la obra shakespeareana. Lo mismo sucede con Hamlet y su cuestión del "ser o no ser". ¿Qué otro parlamento, de cualquier otra obra teatral, de cualquier otro autor, es tan repetido incluso sin conocer su contexto y, por lo tanto, sin conocer su real significado o interpretación? Pero el parlamento está allí. Y se dice.

En la cartelera teatral 2009, Shakespeare está presente en sus más variadas posibilidades. Las Julietas, de Marianella Morena. Los Macbeth´s, de María Dodera y Marina Cultelli. La Señora Macbeth, de Griselda Gambaro con dirección de Juan Tocci. Hamlet, dirigido por Gabriela Iribarren. Y La tragedia de Macbeth, que interpretará la Comedia Nacional bajo la dirección de Mario Ferreira.

Esto no responde a ninguna causa particular porque, de hecho, Shakespeare nunca se dejó de representar, ni aquí ni en el resto del mundo. Sí es extraña la presencia múltiple que, casualmente, tiene este año en Montevideo. Por lo que corresponde al resto del mundo, actualmente el actor Jude Law interpreta a Hamlet (estrenó en Londres y ahora se presenta en Broadway), Philip Seymour Hoffman actúa en Otelo (también en Broadway con el Public Theatre) y Anne Hathaway es Viola en Twelfth Night, que el Public Theatre produce para lo que es Shakespeare in the Park, un festival que se realiza todos los veranos en Delaware Park para montar obras de Shakespeare bajo las estrellas y con entrada gratuita. Estos ejemplos no excluyen los trabajos realizados por la Royal Shakespeare Company de Inglaterra, cuyo propósito es "mantener a las audiencias actuales en contacto con Shakespeare como nuestro contemporáneo", y así como el trabajo de otras compañías y producciones independientes.

Las Julietas es el espectáculo que más lejos está de Shakespeare. Sin embargo, su nombre denota una presencia velada del autor inglés. Su directora, Marianella Morena, explica: "Es un punto de partida porque partimos de Romeo y Julieta y desde ahí creamos nuestro propio diálogo". Quienes hayan visto el espectáculo, que se presentó en La Candela (y reestrena en El Galpón), tendrán toda la razón al afirmar que no vieron Shakespeare, pero podrán tener algún atisbo de duda porque los actores llegan a decir un fragmento breve del texto. ¿Entonces? "Para mí, el planteo es dialogar con artistas que tienen un universo riquísimo. Él presenta ese universo y yo dialogo con él, tomo como punto de partida, en este caso, a Romeo y Julieta", señala. Después de una reconciliación ("a veces pasa que cuando leés un clásico, te cansa el lenguaje"), Morena se vio seducida por Shakespeare y su universo: "Hay algo que pulsa en él o que late en él como artista teatral, como artista de la acción, que es la desesperación, una desesperación por vivir y por mostrar la vida a través de permanentes contradicciones y tensiones. Yo tenía muchas ganas de utilizar ese motor y trabajarlo con cuatro actores que tuvieran una desesperación por actuar o trabajar, por no buscar una explicación lógica en cada procedimiento sino que lo que nos unió fue la pasión por el escenario".

Los Macbeth´s, de María Dodera, sí es una versión de Shakespeare en la que el espectador sale del espectáculo y, si bien no vio representado el texto La tragedia de Macbeth, sí vio Shakespeare y palpitó sus personajes: "Macbeth es una de las tragedias que más me gustan, por los personajes, por el cóncavo y convexo de la pareja. Yo le llamo Los Macbeth`s porque el personaje se conjuga de los dos, o sea, Macbeth no se completa sin ella y ella no se completa sin Macbeth (…) ¿Por qué versionarlo? Porque creo en la actualización. Shakespeare utiliza leyendas y hechos históricos y los actualiza a su tiempo, a su teatro isabelino. Él da el camino que es la actualización, lleva a su tiempo y verbo las historias que narra, entonces eso es lo que me lleva a traerlo a mi tiempo y a mi verbo".

Algo similar sucede con el reciente estreno de La señora Macbeth en El Galpón, escrita por la argentina Griselda Gambaro y dirigida por Juan Tocci. "Suponte que nadie conozca Macbeth, se va con el argumento de Macbeth en la cabeza", puntualiza Tocci, que quería trabajar con un clásico y encontró en el texto de Gambaro lo que estaba buscando: "Shakespeare prácticamente se pierde por completo y es una reescritura desde una óptica rioplatense y contemporánea. Cambian los signos. El acento se pone en la señora Macbeth como personaje central y Macbeth no aparece nunca, lo que lo transforma en la figura del poder, sin cuerpo y sin cara". De Shakespeare a Gambaro, y de Gambaro a Tocci, su puesta en escena tendría una doble relación de distancia con la obra original. Como dato aparte, la traducción de los versos de Shakespeare la realizó Idea Vilariño.

Una de las obras capitales de Shakespeare es Hamlet, obra que trascendió hasta convertir a su personaje en algo inmenso para cualquier actor que tenga la oportunidad de interpretarlo: "La única forma de representarlo o de encararlo es dejando que el personaje pase a través de uno, no tratar de componer un Hamlet de una forma determinada, con determinadas características en cuanto a un comportamiento físico o una psicología, sino tratar de abrir lugares de uno para que el personaje atraviese", señala Álvaro Armand Ugón que a fines de agosto actuará en esta obra dirigida por Gabriela Iribarren. Ambos artistas adelantan que trabajaron con la versión completa de la obra, por lo que el público verá un espectáculo de más de tres horas, con un intervalo de quince minutos: "Tratamos de desarrollar todos los aspectos de todo lo que nos propone la obra, la cuestión filosófica, la peripecia del personaje, todo el contenido humanista que posee, el poder, la amistad, el amor, la traición, la ambición, la locura, la venganza (...) Muchas veces, los clásicos se adjudican a un ámbito culturoso que yo no comparto, creo que es accesible a todos el disfrutarlo y el quedarse con lo que él nos proporciona. Shakespeare sigue siendo un autor muy moderno en cuanto a la estructura dramática que maneja, la cantidad de locaciones a las que hace referencia, el dinamismo de las acciones, el humor que también está aún en las tragedias", dice Iribarren sobre su puesta.

Y todavía en octubre se seguirá estrenando Shakespeare, esta vez con la Comedia Nacional, que eligió al clásico atendiendo a una de sus misiones, la de dar a conocer los grandes autores. "Muchos jóvenes conocen a Shakespeare en la secundaria y es algo que se ha mantenido a lo largo de los años porque yo estuve en el liceo en los `80 y me acuerdo que estudiamos Macbeth y ahora sigue ocurriendo. El teatro está hecho para verse representado y poder ofrecerles a los estudiantes esa posibilidad de ver el clásico nos pareció más que atractivo", explica Mario Ferreira, quien también señala que van a hacer la obra completa: "Me parece que la Comedia tiene posibilidades y reivindico esa posibilidad de, entre la diversidad de ofertas, que haya una oferta que muestre la obra completa".

Actualización, sí o no. "Si hoy en día para decir que Shakespeare es actual necesito parámetros tan ilustrativos como un jean, lo estoy negando". La afirmación es de Sergio Blanco y es una respuesta que le dio en 1997 a María Dodera, para un estudio que la directora presentó ante la UNESCO. Diferentes realizadores de Uruguay, Brasil, Estados Unidos, Francia y España (que habían representado alguno de los clásicos de Shakespeare) respondieron, en uno de los capítulos del trabajo, qué significaba a su criterio actualizar un Shakespeare, y si era necesario. Hoy, la misma pregunta para los artistas entrevistados.

Para María Dodera, actualizar "es totalmente esencial" y significa "recodificarlo al hoy". Por eso fue que tomó la idea del poder presente en Macbeth y lo resignificó, ubicando al matrimonio en un círculo de poder vinculado a logias con apellidos imperantes. Tocci enfatiza que "una puesta original sería completamente inútil y prácticamente imposible, un trabajo de museo arqueológico, (por lo tanto) no hay posibilidad de trabajar con Shakespeare sin reescribirlo". Armand Ugón menciona la importancia de las traducciones y por el mismo camino va Mario Ferreira: "Me parece que lo que hay que hacer es encontrar, sin perder la grandeza del lenguaje, sin perder el lirismo que aparece en todas las obras de Shakespeare, conseguir que el lenguaje sea más fluido para el espectador". Marianella Morena da la puntada final: "Si vos tenés un diálogo permanente con el presente, y somos el presente los que hacemos el teatro, hay una responsabilidad por parte de los creadores escénicos, que somos los que trabajamos lo efímero, de tener una temperatura con tu presente. La obligación de las artes escénicas es dar algo vivo. Lo otro dejalo para los catedráticos, los antropólgos, arqueólogos, que puedan hacer el museo de Shakespeare. La obra sigue intacta, si vos querés leerla como texto está intacto, uno no interviene la obra, pero hay una responsabilidad de que vos vayas y te atrape, que puedas tener esa experiencia".

Nuestros Shakespeares. Por Georgina Torello (Revista Dossier).

2009-07-27T21:27:00.000-07:00

Presentada en la Casa Municipal de la Cultura, Los Macbeth’s de Dodera proyecta otro tipo de contrato con el espectador, más inclusivo. Las peripecias de esa pareja sanguinaria es contada a través de los ojos curiosos, fetichistas, del mayordomo (Adrián Prego) que nos lleva casi de la mano a recorrer la casa (decorada por César Rodríguez Ávila) anunciando los peligros y ciertas atmósferas, sugiriendo la atención sobre algunos rincones oscuros, invitándonos incluso a su minúscula habitación privada –es decir a un espacio literalmente fuera del drama. El recorrido por ese infierno mental que propuso Shakespeare en esta tragedia de cinco actos, se transforma así en el recorrido por las habitaciones (y balcones) llevados por ese lacayo que además interactúa con la Lady y su marido. Un Macbeth-recorrido propuso Álvaro Ahunchaín en el Teatro del Anglo en 1986: el público terminaba, luego de un éxodo por el vientre del teatro, en el escenario (y era aplaudido por los actores desde la platea): su juego era con el teatro como espacio, un juego metateatral. La operación de Dodera pasa, en cambio, por una variación del punto de vista: todo se ve a través de esa mirada adorante y casi perversa del súbdito que complica y potencia la mirada distanciada del público. Lo que se ve y se siente es filtrado a través de su juego con las anécdotas (de su infancia con el señor, de algún recuerdo que incluye a Lady Macbeth). En definitiva, Dodera formula una de las pocas miradas que podemos mantener con propiedad desde la colonia -para retomar a Said- agregando a las tantas versiones una nuestra y por lo tanto excéntrica, es decir, literalmente fuera del centro.

El sudor del actor es la poesía. Por Leonardo Flamia (Guía del Ocio).

2009-06-13T14:38:00.000-07:00

Es todo un desafío intentar describir esta nueva obra de Marianella Morena, una creadora versátil, con una libertad estética difícil de imaginar a priori. La dinámica de trabajo que se propone es un “diálogo” como ella dice, en múltiples direcciones que genere el espectáculo. Diálogo entre una obra y nuestro presente particular, pero ese “nuestro” no es una cosa absoluta. En realidad es el presente de Morena, y el de los actores, el que entra en juego con la obra y da un resultado X. Pero para aumentar el desafío vamos a un momento fundacional de nuestra historia reciente, el maracanazo. Ser uruguayo, no oriental, uruguayo, es algo mucho más fácil de explicar apelando a Obdulio Varela y Ghiggia que a Oribe, Rivera o Artigas. Por eso si ponemos en el medio al maracanazo, simbolizado por un supuesto grupo teatral de los dorados cincuentas celestes, la ecuación aumenta de grado, aquel resultado X empieza a tener exponentes cada vez más elevados.

Un vértice entonces es una obra, en este caso “Romeo y Julieta” de Shakespeare. Otro vértice son las personalidades, aptitudes, imaginación, etcétera, de los creadores, actores y directora. El último vértice es el mito del maracaná, el Uruguay del cincuenta. ¿Qué surge de esto? Ponerle nombre es difícil, pero estamos ante la obra más divertida que hemos visto en varios años. El humor lo transpira el espectáculo, no se necesitan ni chistes ni situaciones humorísticas más tradicionales. Ya al comienzo, cuando van apareciendo los actores en ropa interior, en calzoncillos bah, tenemos algunas pistas. El primero de los actores, con su lugar a la derecha de la platea, es Carlos Quijano (excelente este nombre para la obra), luego es el turno de Alejandro Gayvoronsky, quien parece ser algo más elevado de altura, el tercero es Leonardo Pintos, más alto aún, nuestro cerebro ordena las piezas y… aparece Santiago Sanguinetti, el más bajo de todos, encima con lentes de sol, pelo largo y pose de galán. En varios pasajes de la obra un simple cambio de un orden predecible nos apronta para reírnos. Uno imagina que la mención de Verona en un ensayo fácilmente llama a una pronunciación italiana, a una actuación más enfática, a la aparición de la pasta casera, pero lo que sucede en el escenario con esos elementos confluyendo genera una hilaridad incontenible. Resuenan como un eco, muy a lo lejos, situaciones de la obra de Shakespeare, que de alguna forma van dándole un hilo a la obra, hasta la aparición del “bruto actor” interpretado por Gayvoronsky que ya hace imposible contener la risa. La pieza culmina, como un juego perfecto, con una despedida exactamente inversa a la presentación. El elenco se complementa a la perfección, suponemos que la naturalidad lograda tiene mucho que ver con un espectáculo dominado tan al dedillo que no percibimos los momentos de necesaria improvisación. Como dice la directora en el programa “Que la poesía sea el sudor del actor en cada función” y vaya si hay poesía.

Esto no es una versión de “Romeo y Julieta”, más que nada porque el texto parece ser un punto de partida y no de llegada. El año pasado Marianella Morena nos había presentado “Jaula de amor”, un espectáculo contenido en su temática, que obviamente no podía incluir al humor, pero que además estaba íntegramente contenido en la fatal sentencia “Después de vos nada” que decían los personajes al comienzo. “Las Julietas”, que quizá tenga un proceso creativo similar, sin embargo parece dispararse en múltiples direcciones y solo al final podemos organizar lo que vemos. Eso es lo destacable, más allá de las temáticas disímiles, los procedimientos llevan a la creadora hacia lugares que controla, pero que escapan a lo rutinario, que logran ser un espectáculo unitario, pero que nunca se repite.

Fuente: Guía del Ocio (Diario Últimas Noticias), viernes 12 de junio.

Todo Celeste (Revista Factor S)

2009-06-07T16:26:00.000-07:00

De identidad, de costumbres… Cuesta clasificar a LAS JULIETAS, una obra que transmite sensaciones mediante acciones dramáticas con ironía, con humor; teatro que surge de “mezclar estímulos, materiales provenientes de la música, las artes visuales, la imaginación y nosotros improvisando”, explica su directora, Marianella Morena.
Al principio nada, el espacio vacío y el vestuario esperando a los actores. El entorno de La Candela parece perfecto para ser voyeur de la intimidad de cuatro hombres que por momentos parecen cuatro viejos en un banco de una plaza. Son actores fusionando recuerdos de la obra que debían actuar, discuten e intercambian anécdotas, vivencias, ideas, posturas. La música va acompañando distintos instantes sumándose, en muchos casos, el canto más o menos eufórico de los personajes según la evocación.
LAS JULIETAS no parte de un texto concreto sino de las ganas de hacer teatro, “las ganas de trabajar con actores jóvenes que estuvieran dispuestos a todo” dice Morena. Sí se toma como punto de partida para la exploración el clásico Romeo y Julieta de William Shakespeare con el que la directora confiesa haber tenido “un romance atrasado, no resuelto, que no podía poner en práctica”, y agrega, “quise tomar y cruzar esos amores sumando la dificultad, porque la dificultad es un vestido que no se quita nunca. Me gustaba la idea de raptar a Julieta y cambiarle el contexto, hacernos preguntas sobre ¿Qué sobrevivió? ¿El texto, la trama, la anécdota, el rumor? Todo el mundo sabe de qué trata, aunque no se haya leído. Esa forma de supervivencia nos interesa, me gusta, es tomar contacto con la realidad de lo que sobrevive y cómo, olvidarse del documento y hacerlo vivir, porque el teatro es escena y la escena es sudor, presente, realidad.” Morena manifiesta haber tenido más interés en la trama que en el texto, “lo que sobrevive es el deseo y no el texto, es el rumor y no el desarrollo, es la complejidad humana y el orden de las escenas.” A una Julieta en cuerpos de varones se le incorporó la vivencia nacional de los años '50 y se jugó, en la creación del texto, con la masculinidad abordando con humor las características socio-culturales que contiene. En el programa la directora expresa que hacer teatro “es perderle miedo al tiempo, entrar en el presente y dialogar con él”. Leonardo Pintos, uno de los actores, explica que debido a la confianza generada entre actores y directora, “el proceso fue un juego y el diálogo se convirtió en la forma de trabajar incorporando elementos de nuestra realidad y eliminando la representación, de hecho no trabajamos personajes, trabajamos situaciones y tuvimos como premisa la verdad. A partir de ahí el humor vino solo y los 'personajes' también.” En LAS JULIETAS la música es un buen soporte, el vestuario está correcto y todo juega a favor para que se presencie teatro pero LAS JULIETAS son sus actores, cuatro jóvenes que dejan su talento en escena. Además del buen trabajo de Leonardo Pintos actúan Santiago Sanguinetti, Alejandro Gayvoronsky y Claudio Quijano; cada uno con su cuota de gracia y sus comentarios oportunos.
Trabajar con actores jóvenes transmite una energía particular, el mismo texto se hubiera recibido de modo distinto con actores viejos. La famosa obra “Mi muñequita (la farsa)”, de Gabriel Calderón, contó, entre otras singularidades, con la presencia de actores jóvenes y si bien no fue una innovación sí se trató de algo poco común que reforzó el espíritu de la obra. Marianella Morena cuenta que, para LAS JULIETAS, “tenía ganas de sangre joven, valientes, hambrientos, pero también de sumar masculinidades, de ver cuatro hombres jóvenes dejando todo. Cambiar el ángulo, el lugar, el rol, olvidarnos y centrarnos, enfrentar los opuestos y reírnos de nosotros mismos”. El objetivo del humor queda claro en un ejercicio, físico y psíquico, permanente. Son cuatro hombres pero son Julieta, “ficción y realidad, seducción y machismo, cuatro hombres desde una mujer, desnudos, expuestos, abiertos, pero también jugando, liberándose y criticando las miserias que nos caracterizan. Con cariño y desenfado, sin prejuicios, sin problemas con la experimentación física, llámese golpe, cachetada, baile, abrazo, sin rencor y sin residuo: bien masculino. Eso me gusta, es amplio, hace sudar, da imágenes y proyecta espacios concretos y lúdicos, la fantasía también convive con lo doméstico.”, así explica Morena lo presentado en el escenario. “Si bien Marianella creó la columna, cada uno de nosotros desarrolló su universo paralelo y eso significó un crecimiento para nosotros como actores” afirma Pintos.
LAS JULIETAS traslada al espectador a costumbres nacionales y hábitos de esos que no se cuestionan mediante la representación de situaciones comunes. Son personajes desenvueltos que actúan con espontaneidad, cantan y bailan. “El baile invita, relaja, tiene humor, nos acerca y cambia planos del lenguaje, aporta ritmo y es necesario para conectarnos.”, expresa Morena. Una obra que demuestra en la dramatización la pasión de una directora que entiende que hay que entregarse, “primero a uno, hasta perderse en el infinito de uno mismo y después al otro, hasta perderse en el infinito del otro, cuando uno se ejercita en la entrega, el resto es placer. Y el placer es un conocimiento muy poco transitado.”

Las Julietas: ¿Un Uruguay que fue? Por Ana Laura Barrios (blog Entre Tablas)

2009-05-11T20:01:00.000-07:00

“Lejana o no, la mitología sólo puede tener fundamento histórico, pues el mito es un habla elegida por la historia no surge de la “naturaleza” de las cosas.”
Mitologías, Roland Barthes. Pág. 200.

Marianella Morena arriesga y apuesta. Esa postura descontracturada (por tanto libre) y a su vez comprometida con la escena hace que sus puestas, frontales y honestas, encuentren desde la experimentación un lugar y un sentido. En Jaula de amor la directora inspirada por una noticia policial compuso un texto desde la escena, en el trabajo con los actores. Creó así, por tanto, un texto vivo más cerca de la innovación que del cliché. Con una forma de trabajo similar Las Julietas nació desde una idea que rondaba en su cabeza: abordar Romeo y Julieta desde el hoy. Nuevamente eligió a los actores para acompañarla en ese viaje, para poder, en conjunto, reconstruir un texto que vivía en el interior de cada uno. Bajo la guía y la idea original de Morena el grupo conformado por Santiago Sanguinetti, Alejandro Gayvoronsky, Leonardo Pintos y Claudio Quijano, reflexionó y creó desde los ensayos una puesta que dialoga con el clásico de Shakespeare en varias direcciones: directamente con fragmentos de su texto original e indirectamente con sus ecos y con los nuevos nexos e interpretaciones que se disparan desde el hoy. El puntapié definitivo cuajó desde una anécdota familiar: los abuelos de uno de los actores en los ’50, a la deriva y sin director, realizaron por el interior un varieté criollo basado en textos de Shakespeare. En ese punto, aparentemente distante, se inició el diálogo. Dos mitos se encontraron: la tragedia de Shakespeare que no pierde su vigencia, y las fórmulas de una forzada identidad nacional basada en hechos pasados y perdidos. Una puesta de actores en torno a un texto Los cuatro actores llegan a escena con poco vestuario. Se presentan despojados, con sus armas a cuestas: cuerpo y mente. Sobre el escenario toman sus trajes y comienzan a dar vida a sus personajes. En ese ambiente la directora los contiene y a su vez los libera: les brinda un espacio de seguridad pero sólo delimitado por pocos elementos escénicos. Lo que prima es su presencia, sus gestos, sus acciones, sus palabras. El juego que se multiplica desde el título de la obra es la develación de una identidad. En ese camino los actores son ellos y a su vez sus personajes: se construyen a sí mismos sobre el escenario. Así Sanguinetti y Quijano pueden enfrentarse por el origen italiano de sus propios apellidos o ser Only Delonely y Cittadino italiano. Las prometidas Julietas, mientras tanto, aparecen en historias desde su ausencia como los mitos que perpetúan hechos que no están presentes. Esa ambigüedad en la relación entre los personajes, esa indefinición que crece a lo largo de la obra desmorona una de las tantas leyendas enquistadas en la sociedad: el macho tano, tanguero, ganador ¿real o ficticio? ¿rol o etiqueta? ¿Romeo o Julieta? Desde situaciones cargadas de un humor irónico e inteligente se cuestionan varias verdades canónicas. Surgen así las capas que conforman una identidad erigida en base a mitos: ¿lo celeste como postura o como imposición? ¿Qué es ser celeste al final de cuentas? El mito se presenta desde su carácter imperativo, universal, donde todo se vuelve parte de él, un diálogo se repite: “todo celeste, el perro celeste…” Los personajes ironizan (a modo de charla que puede ser la de unos amigos en la barra de un bar) en torno a premisas arraigadas y arrastradas de una década que no permite avanzar. Sus fuerzas chocan entre el querer conservarlas y el intentar desecharlas. Sobre la escena aparecen los mil modos de representarla en un juego constante con la memoria: desde una canción popular a un rol social (la historia del blandengue, la del gaucho) La sensación desde el discurso es que en esa identidad sólo quedan las formas, mientras el pasado se evapora: ”Uruguayos campeones de América y del mundo…”, suena y se repite a coro hasta agotarse. Según afirma Barthes en su análisis: “Por más paradójico que pueda parecer, el mito no oculta nada: su función es la de deformar , no la de hacer desaparecer.”(1) Así la permanente invocación a la memoria, con su letargo y su visión fragmentada ironiza e intenta reconstruir las bases del mito: su transmisión oral a la vez que muta, deforma. Así como la historia shakespereana, el Uruguay del ’50 con el paso del tiempo toma un tinte utópico. La primera una historia de amor contada de boca en boca, que excede a su autor y se ubica en un status idealizado. La segunda una identidad totalizadora que todo lo agobia, resumida en el color celeste como el tópico ideal. Desde el humor se teje un doble juego entre el acercamiento y la distancia creativa, que descubre y a la vez cuestiona esos mitos. Esas antiguas historias en su carácter mitológico pueden adquirir cierto vuelco sagrado e intocable y, paradójicamente, también ser consideradas falsas y poco creíbles. El paralelismo que se establece entre ambas no parece tan desacertado: una historia de amor ideal con final trágico que dialoga con una parte de la historia de un Uruguay... ¿qué fue?

(1) Barthes, Roland. (2003). Mitologías. Argentina:Siglo XXI Editores. Pág.213.

Ana Laura Barrios.

Fuente: Blog Entre Tablas,

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Verona celeste. Por Javier Alfonso (Semanario Búsqueda)

2009-05-09T11:50:00.000-07:00

Marianella Morena siempre se las ingenia para sorprender seducir y conquistar a unos cuantos y escandalizar a otros tantos. Como Mariana Percovich con “Bodas de sangre”, el año pasado, Las julietas, su reciente estreno, divide las plateas entre quienes la aman y aplauden de pie, y quienes la odian y se van de la sala refunfuñando la bronca acumulada. “Esto no es Lorca”, aseguraban el año pasado. “¿Qué tiene que ver Shakespeare con esta payasada?, se preguntan hoy. Por lo general quienes disfrutan, celebran, recomiendan y hasta vuelven a verla otra vez, son jóvenes. Es más, en buena parte, el creciente retorno de la juventud a las salas teatrales montevideanas, se debe a este tipo de propuestas, que presentan textos magistrales leídos con lucidez sobre las tablas, acompasados a los tiempos y formas de hoy. Como es de esperar, el rechazo proviene generalmente de la porción más tradicional y conservadora del público teatral montevideano, reticente a estas relecturas o adaptaciones contemporáneas de grandes clásicos. Sin embargo, se suele olvidar que justamente la principal virtud que convierte a una obra en un clásico es su capacidad de dialogar con el presente. Las julietas, estrenada el 15 de abril en La Candela, encaja a la perfección en la obra de Morena, que mantiene una coherencia estética singular en la escena local. Como es habitual, Morena elige una temática conocida y la reinterpreta, la pone a dialogar con su tiempo. Ya lo hizo con el mito de Don Juan en “Don Juan, el lugar del beso”, con Florencio Sánchez en “Los últimos Sánchez”, con “El furgón de los locos”, de Carlos Liscano, en “Resiliencia”, obra que permitió a Álvaro Armand Ugún hacer el mejor papel de su carrera. Ahora es el turno de Shakespeare, que inspiró a Morena con “Romeo y Julieta”, mezclado aquí con el Uruguay del siglo XX. En la década de 1950 un grupo de jóvenes actores aficionados, conocidos como “Las julietas”, recorre el Interior del país con una representación criolla de “Romeo y Julieta”. Hoy sus hijos, nietos y sobrinos descubren la historia y la cuentan, al tiempo que demuestran, en la práctica, algunas de las formas de representación cercana al varieté que dominaban la escena popular en esos tiempos, asociada a la tradición carnavalera de murgas, comparsas y viejas troupes. Lo cierto es que Alejandro Gayvoronsky, Santiago Sanguinetti, Claudio Quijano y Leonardo Pintos se despachan con un desparpajo inusitado y sacan adelante una de las comedias más graciosas de los últimos tiempos. Los cuatro exhiben una química perfecta para el humor verbal, gestual y corporal en todas sus diferentes escalas. Los cuatro logran, sin más recursos que sus propios cuerpos —más alguna escasa ayudita técnica—, que la platea ingrese en esa zona misteriosa donde hasta el chiste más pavo, o la mueca más pequeña, detonan una nueva carcajada. Los cuatro surfean como verdaderos expertos ese mar que los lleva en un segundo de la calma al frenesí de estar en medio de una ola de palabras, piernas, brazos y caras entreveradas. Los cuatro revelan detrás suyo una dirección ejemplar, que deja espacio a la creación espontánea del intérprete, lo cual, en este caso, se agradece sobremanera.“Romeo y Julieta” entra y sale de este nuevo fresco sobre la identidad uruguaya, lleno de dichos y frases comunes, pero que el paso del tiempo no alcanza a debilitar. Por momentos ellos son Montescos y Capulettos celestes entreverados en pasiones criollas relacionadas con la virilidad, la sangre europea que aún corre por esas venas, el amor a la patria y a sus tradiciones, con el color celeste —estampado hasta en los calzoncillos del cuarteto— como su síntesis paradigmática. Todo ilustrado con tangos, malambos, milongas, canzonettas y hasta con los célebres versos de “Los Orientales”, escritos por Idea Vilariño y entonados por Los Olimareños. Nadie mejor que Morena puede explicar este concepto: “Hacer teatro es perderle el miedo al tiempo, entrar en el presente y dialogar con él. Mi intención es dialogar con los clásicos. Universales y nacionales. Dialogar quiere decir: escuchar lo que dicen y responderle desde este Uruguay en este momento. El teatro es presente: la función. Es el pulso más cercano al presente. Nos interesa decir quiénes somos, pero nos interesan mucho los que perduran en el tiempo con la palabra dramática. ¿Cómo dialogar? ¿Cómo negociar? ¿Cómo amar sin invadir ni colonizar ni perturbar ni maltratar ni ofender ni violar?”, se pregunta. “Dialogando”, se responde. “El hoy es diálogo. El presente histórico y político habla de diálogo, de negociación, de conciliación, de no confrontación, de encontrar los mecanismos de entendimiento. Esa es nuestra intención con Romeo y Julieta. Y lo hicimos”. Los miércoles y jueves en La Candela, el espectador podrá poner a prueba esta afirmación. Aplaudirá o se irá con cara larga. Pero seguro que en las horas siguientes no pensará en otra cosa.

Javier Alfonso.

Fuente: Semanario Búsqueda.

Shakespeare y Maracaná. Por María Esther Burgueño (Caras y Caretas)

2009-04-25T14:34:00.000-07:00

Marianella Morena es una creadora original en el contexto del teatro uruguayo. Sus interrelaciones entre diversos textos han dado lugar a espectáculos tales como “Don Juan, el lugar del beso”, uno de los más hermosos que hemos visto en la escena montevideana. Sabedores de este gusto por el diálogo nos intrigaba realmente esta puesta de Las Julietas en la que Shakespeare dialogaría con cuatro actores de los años 50 en el Uruguay y con el hoy. El espectador encuentra un escenario con cuatro sillas, una mesita con vasos y dos atriles. De las sillas penden las ropas que los actores, que entran con calzoncillo celeste, bajo una luz azul, se irán poniendo. La ubicación de los personajes es invariable en el orden en que se sientan y permite establecer alianzas, miradas cómplices, exclusiones. Luego de una especie de popurrí de gestos y palabras que se resignificarán en el decurso de la obra, paulatinamente, y con el subir de la luz, empieza a instalarse una anécdota contada en forma parcial, desordenada y que alterna lo coral con lo individual. Hay un marco ficcional que está señalado por la pregunta de uno de los actores “¿Qué hacemos acá?” y la respuesta de otro: “¿Y ellos?”, señalando al público, estableciendo un acá y un allá del cual están ausentes, ni más ni menos que Las Julietas. Como espectador uno duda sobre si debe o no revelar algunas de las claves que empiezan a cerrar la obra, pero al menos digamos que los años 50, evocados en muchos de los aspectos físicos de los personajes, y a través de alguna música producida en vivo o reproducida en “off” . Los primeros datos de Las Julietas las ubican naciendo en los años 50, como una compañía de varietés que representaban el drama de Shakespeare, hasta que las mujeres se mandaron mudar. Está anécdota así dicha, está sugerida por fragmentos del texto: “Ay de mí estoy tan lleno de pecado”.
A partir de este momento que genera el gran tema de la “uruguayez “ de la obra: la nostalgia por los 50 y el maracanazo, la pieza comienza a alternar las reflexiones comunes sobre qué tiempos aquellos, y una especie de despegue de solistas que desarrollan partes de su propia historia con un humor y un histrionismo espectacular. El “cittadino italiano” de Quijano, que disputa su origen con “Sanguinetti” colma la escena de canciones italianas y de pasta “amasada por la mamma”, mientras entona “O sole mio” o reproduce con su celular el himno italiano. Pero más allá del origen está el orgullo de la orientalidad que los une en una euforia alucinante en la que la repetición de “Uruguayos campeones” se transforma en un frenesí de humor.

Significativamente, al acabar este pandemonio las luces bajan, los actores retoman sus posturas originales y avisan: Está desordenado el principio y el fin, porque si vas muy rápido el principio está al final”. La pista estructural remite a aquellas épocas del circo criollo en el cual, los actores con peines y hojillas producen un desopilante pericón cuyas relaciones son, invariablemente, textos de Romeo y Julieta, e incluso de los más conocidos. ¿Si yo profano con mi mano indigna…Injusto con tu mano peregrino eres…

Siempre en la línea del metalenguaje un personaje dice: Ah mira, ya entendí. Y se lanzan a reflexionar sobre la naturaleza de las Julietas que se atrevieron a tomar cosas que no son propias de las mujeres, que se quedan en su casa, toda celeste como la patria, hasta con perro celeste. El personaje de Sanguinetti desea entonces expresar su condición de macho oriental, capaz de entender a las mujeres perfectamente, definido como el Only Lonely, quien en medio de sus anécdotas absurdas cuenta haber sido testigo del encuentro en el balcón de Romeo y Julieta que aparece registrado en un grabador de bolsillo en el cual Julieta dice sus parlamentos y él le contesta cual si fuera Romeo (¿No es esa la alondra..diré que aquella luz no es el amanecer” . Vueltos al presente los actores deciden que hay que “Cortar un poco” y se preguntan si ella iría a su casa, al baile, a la iglesia…La discusión se transforma en la pelea entre Mercuccio y Thibaldo, lo cual hace más vertiginosa la proximidad de los tiempos. El duelo se dirime a través de una graciosa ejecución y danza del tango Se dice de mí.

Nuevamente apaciguados los ánimos, la reyerta se centra en la definición de qué cosa le faltaba a Las Julietas. El acuerdo se logra a través de la expresión “Color profesional”. ¿Porqué no el celeste” Y allí arrancan con Los orientales, el poema cantado de Idea Vilariño.

Otro aspecto de la tradición “orientala” es la del soldado de Artigas, el Blandengue, que nos cuenta su historia y que tiene su momento de solista ya que, aunque inmóvil, es elegido como el ideal para hacer de Romeo. Esta alternancia de solos y coros está pautada por el estribillo de exaltación a la década de los 50, a la patria homenajeada en un malambo, en el uso de pequeños instrumentos musicales o elementos que funcionan como ellos y por la posposición del personaje de Alejandro Gayvoronski que espera su momento para demostrar que es “bruto actor”, pero sistemáticamente se lo ignora. Sin embargo finalmente logra su momento heroico, y le toca nada menos que el desenlace: “En la paz enlutada de este día…”

Este juego divertido, inteligente y sostenido por “brutos actores”, muchos de los cuales eran conocidos por nosotros y otros menos recordados como Quijano, en un excelente trabajo, no es solo un divertimento. Es un cruce. Todos los uruguayos sabemos , quizás más para mal que para bien, lo que fue el maracanazo y la época de las vacas gordas. Estamos perseguidos y marcados por el mito del éxito heroico y la abundancia. Cualquiera tiene idea de cuál es el argumento central de Romeo y Julieta aun sin haber leído o visto la pieza. Las historias circulan, se cruzan, se unen las unas a las otras de manera de constituir tradición antes que verdad. Lo “celeste” (hasta el perro) es una manera de ver el mundo y repetir nuestros mitos con sus carencias y sus gestas. El cruce de mitos, la sobriedad de recursos, el uso finísimo del humor reflexivo y una impecable dirección de actores que se “sacan chispas” unos a otros es la explicación de porqué Las Julietas ha sido un soplo refrescante en nuestra cartelera.

Fuente: Revista Caras y Caretas

Sonora bofetada a la lógica. Por Egon Friedler (Semanario Hebreo).

2009-04-24T15:14:00.000-07:00

Esta pieza puede definirse como una “julietada”, es decir una resonante bofetada a la lógica dada en nombre de la pobre Julieta de Shakespeare, arbitrariamente metida en este lío. Una característica típica de este divertido engendro es su difícil clasificación. Por ejemplo ¿ que podría decir un inocente espectador si alguien tiene la falta de tacto de preguntarle de qué diablos trata la obra? Sin duda, se vería en dificultades para explicar un argumento magníficamente inexistente.

Vagamente, “Las Julietas” alude a un mitológico grupo de teatro de los años cincuenta del siglo pasado cuyos méritos artísticos siguen siendo muy discutidos ( para algunos era horrible, mientras otros en cambio lo consideraban espantoso). Los nostálgicamente melancólicos o melancólicamente nostálgicos actores (muy a la uruguaya) recuerdan glorias pasadas y pesadas. Por momentos reflexionan (seguramente sobre la nada) y por momentos ensayan o estallan con feroz apasionamiento, bailan tango o se agreden furiosamente para luego abrazarse fraternalmente con la misma fogosidad. Las extrañas motivaciones de los cuatro personajes para actuar cómo actúan o para quedarse sentados mirando inquisitivamente el vacío, constituyen secretos muy bien guardados por parte de la autora. Pero en total, el espectáculo, uno de cuyos méritos es no ser nada espectacular, constituye una de las más logradas creaciones de humor del teatro nacional de los últimos años. Es cierto, tiene sus estiramientos evitables y sus reiteraciones algo excesivas. Sin embargo, estos defectillos también podrían ser vistos como una especie de pimienta que aderezan este suculento manjar de humor absurdo.

A los méritos de la autora, que con esta pieza da muestras de tener una versatilidad nada frecuente en nuestro medio teatral, cabe agregar la precisión detallista de su labor de dirección. Y por otra parte, hay que reconocer la ductilidad de cada uno de los cuatro estupendos comediantes que tienen a su cargo la pieza. La agilidad locuaz de Santiago Sanguinetti, la falsa parsimonia de Leonardo Pintos, la indiferencia lunática de Alejandro Gayvoronsky y la tenaz idiotez de Claudio Quijano, constituyen una combinación explosiva que provoca montañas de risas.

Pese a las virtudes del espectáculo, es necesario reconocer que quienes se lo pierdan no tendrán que lamentar un bache significativo en su formación cultural. Pero eso sí, se perderán una gran diversión.

Mitos desnudos. Un diálogo inteligente con Shakespeare. Por Ana Laura Barrios.

2009-04-23T15:08:00.000-07:00

La propuesta resulta atractiva: abordar el clásico Romeo y Julieta desde el hoy y hacer dialogar ese mito teatral con el mito arraigado del Uruguay floreciente de la década de 1950. La directora Marianella Morena (Las presidentas, Jaula de amor) trabajó con cuatro talentosos actores (Sanguinetti, Pintos, Gayvoronsky y Quijano) para crear desde la práctica escénica un texto sólido y creativo, cargado de humor e ironía acerca de la identidad celeste. El escenario presenta cuatro sillas y algunos pocos elementos más. Sin duda es el ámbito perfecto para concentrarse en el despliegue físico actoral (se baila tango, malambo, y hasta se van a las manos), y en el peso de las palabras. Varios fragmentos de Shakespeare se incorporan con inteligencia y naturalidad a las situaciones irrisorias que los personajes viven, bajo una nueva perspectiva distante y cuestionadora. La puesta se centra en la gestualidad y el vínculo que se genera entre estos cuatro Romeos ¿o Julietas? Las Julietas es el resultado de un trabajo grupal artísticamente comprometido. Imperdible.

Fuente: Revista Vayven,

http://www.observa.com.uy/vayven/nota.aspx?id=1513

Arias fue a ver Las Julietas y la pasó muy mal. Las risas miserables esta vez no lo dejaron dormir en la sala.

2009-04-22T15:00:00.000-07:00

Piedad para William Shakespeare

La parodia, la imitación y la crítica existieron desde siempre: un ejemplo reciente, para nuestra escena, lo proveyó Lope de Vega, con "La gatomaquia", un eco burlón de "La Ilíada"; mucho más célebre fue la parodia de los libros de caballerías de la que resultó el Quijote.
Jorge Arias

Esta vinculación de una obra literaria con sus precursores o antecesores dio lugar a espesa cháchara cultural.Ciertas divergencias de la "generación del 45" con sus predecesores se exaltaron a "juicio de los parricidas"; fue inútil que T.S. Eliot hubiera explicado, más urbanamente, cómo y por qué toda obra de arte modifica el canon anterior; Graciela Mántaras desarrolló extensamente la inútil tesis de que había manierismo (obras que derivan de otras obras) en la literatura uruguaya.Estas ideas no importaron mayormente, pero al fin apareció el gran inquisidor, Harold Bloom, con su teoría de la "influencia" según la cual toda obra literaria se escribió y se escribirá como réplica y hasta como declaración de guerra contra alguna obra anterior. No pareció afectar a nadie que la idea postulaba un regressus ad infinitum, similar a la demostración de la existencia de Dios por Santo Tomás de Aquino: la imposible busca de la causa incausada, la obra primigenia escrita por Adán el primer día de la Creación, por la mañana.La parodia puede cumplir un fin purificador. A veces es un epílogo de la imitación, un ritual que ha de librarnos de un autor que tal vez reverenciemos en exceso; un ejemplo fue el "Hamlet?" de Alberto Rivero, que de verdad reverenciaba a Shakespeare. Pero el desdichado ejemplo de Bartís, con un "Hamlet" que ya no era Hamlet y con "El pecado que no se puede nombrar" que ya no era Roberto Arlt, causó estragos. Cada vez la parodia se alejaba más del original.En el caso particular de "Las Julietas" las alusiones a Shakespeare están, en relación con el total de la obra, en la proporción de 1 a 1.000. Es evidente que esta misma "Las Julietas" que vimos se pudo perpetrar a propósito de los 28 volúmenes de "Los hombres de buena voluntad" de Jules Romains o de la guía telefónica.Más aún: mucho más justificado sería vincular esta obra de Morena con sus verdaderos antecedentes, como Canaro y Caruso, autores del tango "La brisa" que bajo la forma de "Uruguayos campeones" ocupa hasta la exasperación a "Las Julietas"; o a Bousquet y Robert, los autores de "La Madelon" canción patriótica francesa de la Primera Guerra Mundial que hemos oído hasta el hartazgo como la canción de la "Vuelta Ciclista" y que también oímos en esta pieza.Verdad es que "Las Julietas", además de esta pesada mercadería de segunda mano, que incluye la milonga "Se dice de mí", cantada por Tita Merello, tiene originalidad. Hay un dístico que debe pasar a las antologías: "De esta teta chupó Julieta", y una alusión, ah picarones, al culito de Romeo.Hay, finalmente, una novedosísima presentación. Los cuatro actores entran a escena en calzoncillos; para nuestro asombro se visten en el escenario. ¡Nunca se vio eso en nuestras tablas! Y se desvisten al fin, hasta llegar a los calzoncillos del inicio. Con la excepción de estos raptos creadores, el resto de "Las Julietas" es payasada sobre payasada, en el mejor estilo triste de los circos. No nos hizo gracia; pero el público reía. Irreverencias gratuitas, risas miserables.

LAS JULIETAS, de Marianella Morena, con Alejandro Gayvoronsky, Leonardo Pintos, Claudio Quijano y Santiago Sanguinetti. Música de Alvaro Pérez, luces de Claudia Sánchez, vestuario de Cecilia Prigue, dirección de Marianella Morena. Estreno del 15 de abril, teatro de La Candela.

Fuente: Diario La República

Julieta sin Romeo. Recomendado. Por Bernadette Laitano (Sábado Show)

2009-04-21T10:53:00.000-07:00

Las Julietas esperan. Son cuatro actores, pero no son Julieta. Tampoco Romeo. Dialogan entre sí, con un pasado glorioso y un presente que solamente les ofrece incertidumbre. Cuentan su historia entre tango, malambo, un pericón y soul.

Suena Amy Winehouse y los cuatro actores entran en escena, vestidos únicamente con calzoncillos. Aunque la música es actual, no así la ropa interior que se ve, y ahí se da el primer diálogo entre el pasado y el presente conviviendo en un mismo espacio. Los actores se van vistiendo, colocándose pantalón, camisa, saco y zapatos, todos de mediados del siglo XX.

Ellos son Las Julietas y esperan. ¿Lo qué? Posiblemente al director de una obra de teatro para ensayar o estrenar una obra. Se proponen varios diálogos, en varios campos al mismo tiempo, pero todos convergen en uno sólo: el gran diálogo entre el pasado y el presente, lo que dejó de ser y lo que está siendo.

Hay cuatro sillas alineadas, de frente al público cual sala de espera -un lugar no lugar-. Principal indicio de situación de espera. Pero hay, también, una atmósfera de diálogo que guía al espectador hacia esas conversaciones carentes de sentido: una frase despachada, seguida de varias diferentes ratificaciones alusivas a la misma frase, en este caso, "¡Qué época los `50!".

Otro diálogo se da entre Marianella Morena (autora y directora de Las Julietas) y Shakespeare. El texto de unión de la uruguaya con el inglés es Romeo y Julieta. Pero es Morena la que dialoga con el dramaturgo y los que darán su respuesta son los espectadores. La directora se permite un intercambio lúdico introduciendo fragmentos de la historia de amor más clásica ("Si con mi mano, por demás indigna, profano este santo relicario..."), que algunos exigentes veladores de lo `clásico` podrán cuestionar, pero que en sus fines más puros no dejan de ser un planteamiento cuyo fin es, de nuevo, el diálogo pasado/presente.

¿Es que todo pasado fue mejor? ¿Por qué no dejamos atrás la gloria de un Maracanazo que ya fue? ¿Dónde están las glorias presentes? ¿La dramaturgia contemporánea llegará a ser, con el sello del tiempo, clásica? ¿Cuál es el lugar de la dramaturgia nacional?

Santiago Sanguinetti, Leonardo Pintos, Alejandro Gayvoronsky y Claudio Quijano reafirman una evolución segura. Son jóvenes dueños de nombres que suenan cada vez más seguido y mejor. Trabajos pasados, como actores y dramaturgos -Sanguinetti y Gayvoronsky- los colocaron en ese sitial. Con Las Julietas lo sostienen. Los momentos de Sanguinetti ("un típico macho oriental") y Gayvoronsky ("un bruto actor"), un impredible en la cartelera actual.

Fuente: Revista Sábado Show,

http://www.elpais.com.uy/Suple/SabadoShow/09/04/25/sshow_412380.asp

En La Candela

2009-04-17T19:33:00.000-07:00

Shakespeare celeste. Por Nicolás Batalla (Espectador.com)

2009-04-15T09:20:00.000-07:00

Esta noche se estrena “Las Julietas”, el nuevo espectáculo teatral de la dramaturga Marianella Morena. Cuatro actores de los años 50 recorren el país y su identidad a partir de Romeo y Julieta.

Por Nicolás Batalla

- ¿Cuál es la relación entre el escritor más importante de la lengua inglesa y el “Maracanazo”?

- Aparentemente ninguna. Sin embargo, a Marianella Morena se le ocurrió ponerlos a conversar sobre un escenario. La principal tragedia de Shakespeare, “Romeo y Julieta” es descontextualizada y sometida a uno de los momentos más referenciados en la identidad de los uruguayos, los años 50. En un espacio escénico casi vacío, 4 atores jóvenes dejarán que el clásico sea atravesado por “una realidad celeste”. Espectador.com conversó con su directora.

- ¿Cuál es la historia detrás de “Las Julietas”?

- “Las Julietas” son dos mitos que dialogan. Un mito teatral que es Shakespeare (a través de la elección del texto de “Romeo y Julieta”) con un mito uruguayo que son los 50, con toda eso del “Uruguayos campeones” y la ubicación colectiva que todos tenemos de aquel Uruguay que recordamos. Algunos con tristeza, otros con alegría y otros con el deseo de que no exista más. Tenía muchas ganas de hacer “Romeo y Julieta” pero concebirla desde el hoy, con nuestra realidad, así que empecé a trabajar con 4 actores jóvenes. A partir de esa posibilidad quería ver cómo podían dialogar esas dos potencias: cómo se podía trabajar “Romeo y Julieta” con éstos 4 actores jóvenes.El punto de partida fue tomar algunas escenas de la obra y descontextualizarlas. Cambiarles el punto de vista. Colocarlas en el hoy y trabajar desde el espectador, desde alguien que mira y alguien que recuerda. Ver cómo se hereda un mito, cómo se pasa de generación en generación. Si vos le preguntás a cualquiera por la calle, muchos no la han leído (a “Romeo y Julieta”) y sin embargo, conocen la historia. Eso son los mitos.

- ¿Cuál fue la relación que encontraste en “Romeo y Julieta” con ese “Uruguay del 50” que te motivó buscar ese diálogo?

- No hay una explicación pero tiene que ver con una cosa que a mi hace tiempo que me obsesiona que es el trabajo con la identidad. ¿Cómo dialogan los diferentes universos? ¿Cómo dialogan los diferentes mitos? ¿Y cómo puedo traer a un Shakespeare y colocarlo en un escenario nuestro? ¿Qué puntos fuertes se pueden encontrar? Por otra parte, la presencia masculina (por los actores) te lleva inevitablemente a un territorio como el del Uruguay del 50. Tuvo que ver con cómo empezamos a armarla y desde dónde abordábamos los personajes. Se hizo un trabajo de mezcla de ficción con realidad. No se trabajó desde la representación. No vas a ver en Julieta a un hombre tratando de imitar a una mujer. Entonces… en esa obsesión de incluir nuestra identidad, nuestro presente y nuestro Uruguay empezó a filtrarse nuestra memoria. Fue un trabajo que empezó a presentarse solo, no fue buscado. No dije a priori, tengo a “Romeo y Julieta y los trabajo con 4 actores jóvenes”, aunque sí tenía algunos puntos de vista para tomarlos como partida. Lo otro empezó a pintar, atravesado por una “realidad celeste”, ese es un poco el tono de la obra Lo celeste como algo que a pesar tuyo te sumerge.

- ¿Cuánto queda de Shakespeare en ese juego?

- Y hay mucho, porque es un juego de un relato adentro de otro relato. Hay varias cosas porque en el fondo siempre son actores que buscan una realidad, una historia, un director. Y ahí está Shakespeare esencialmente: la vida del actor, la marginalidad del actor, la no presencia del actor. Todo lo que es la periferia de lo teatral en un contexto social. Desde ese punto de vista es muy shakesperiano y es muy político también. Si bien no tiene un discurso o un panfleto. Aparece esa obsesión que tenemos los uruguayos de mirar mucho para afuera, de estar pendiente de lo ajeno y la legitimación de lo europeo. Entonces hay también juegos de ironía sobre qué es lo valioso. Hay momentos que vas a ver que hay cuatro actores buscando un personaje, hay momentos en que los presentan y que los viven. También hay una historia de fondo que es una banda de actores de los años 50 que representaban a “Romeo y Julieta” en varietés criollas y recorrían los pueblos del interior. Eso está tomado de un hecho verídico, de dos abuelos de los actores. En ese momento la influencia extranjera no era tan pesada, lo criollo era lo genuino, entonces aparecen muchas historias adentro de otras. Y hay un diálogo permanente entre Shakespeare y el Uruguay: hay un pericón que ellos hacen en vivo y que es el baile de Romeo y Julieta, por ejemplo. También hay tango y malambo.

- Comentabas que hacía tiempo que estabas con ganas de representar a “Romeo y Julieta”. ¿Tenías interés en trabajar particularmente el tema del “Amor” (que ya habías trabajado en otras obras) o te interesaba únicamente el mito?

- Por todo. Porque Shakespeare tiene todo. El conflicto humano, el salvajismo, el conflicto emocional, la violencia, la discrepancia, eso no ha cambiado. De pronto ha cambiado la forma en que lo narras o el uso de las palabras. Hay datos históricos y estéticos que han cambiado, pero lo que él plantea sobre los enfrentamientos humanos, eso no ha cambiado nada. Además, vos decís “Romeo y Julieta” y se te abren varias puertas en el imaginario. Mirás telenovelas hoy en día y siempre están haciendo Shakespeare. Es una fuente inagotable de recursos, dramáticos. Y tenés la suficiente distancia como para tomarte otros permisos. Si trabajas con un autor más contemporáneo no está esa posibilidad de distanciarse, editarlo, recortarlo. En ese sentido, es maravilloso.

- La pregunta también venía en relación a que ya has trabajado sobre intertextualidad… Por ejemplo con “Don Juan, el lugar del beso”…

- Acá igual es diferente porque no hice una reescritura. Hay partecitas del texto que son tal cuál de Shakespeare y después hay otra historia. Por momentos ellos recuerdan historias, van y las hacen. Hay tres tiempos: el de Shakespeare, el 50 y el presente. Van de atrás para adelante, cuando llegás al final entendés el principio. No está ordenado. Quiero resaltar que trabajamos con 4 sillas, en mi casa y eso fue el trabajo. Nos propusimos trabajar con eso. Esa es nuestra realidad, es lo que tenemos y queremos partir desde ahí. - Igual estás acostumbrada a trabajar en espacios no convencionales. Así fueron tus comienzos…- Sí, en el Mincho…

- ¿Y eso cuánto aporta a la hora de presentarse en un teatro?

- Creo que tiene mucho que ver con las necesidades del proyecto, que involucra todo: un espacio y un tiempo de tu vida. Hay algunas ocasiones en que sentís que la narración va directo con un espacio que es el que termina de contar la historia. Y otras veces no es necesario. Las estrategias también se van moviendo y decís “bueno yo prefiero hacer una concesión en esto y quiero que sea en una sala para que la gente se sienta cómoda”. En este caso me concentré y puse todo mi trabajo en el vínculo actoral y en el trabajo de ellos. Tomé distancia sobre una construcción más estética, sino más desde lo artístico de texto y de actor.

- ¿Cuáles fueron los puntos de partida?

- Nos empezamos a juntar en diciembre de una forma muy relajada y dijimos “tenemos ganas de hacer algo juntos” aunque no había nada. Manchas y algunos pedacitos de luz. Yo tenía ganas de agarrar a Romeo y Julieta. Es una Julieta fragmentada en cuatro, cuatro actores que buscan un personaje. Habían algunas premisas. La palabra es la que construye… un mundo, una imagen, una fotografía, una proyección… todo desde la palabra y no apelar a una concepción escénica o de montaje escenográfico, o de proyección. La idea era no representar, ni necesitar un vestuario. En el momento que hacen de Romeo y Julieta siguen vestidos de hombre. Eliminamos la artificialidad…

- ¿En busca de qué?

- De incorporar lo real. A veces el personaje es una meta. Y el personaje no puede estar antes que la persona. Yo trabajé la persona primero y el personaje después. A veces vos tenés un texto y le buscás actores. Yo trabajé a la inversa: busqué a unas personas y esas personas buscaron a sus personajes. Ahí el capital que tenés es el real. No estás buscando un capital imaginado que está escrito en un texto. El texto es un mapa sobre el cual decido pararme. Pero puedo romperlo, el mapa no puede condicionarme a mí. Al cambiar ese punto de vista tengo todo.

- ¿Qué esperas que suceda cuando el espectador se enfrente a estas Julietas?

- Yo me río mucho. Tiene bastante de humor negro porque nos metemos con muchas cosas, la decadencia, el patriotismo. Cuatro tipos que parecen ganadores y terminan sin serlo. Aunque depende mucho de la subjetividad de cada uno. Capaz que va un veterano y sale llorando. Al no estar encerrado en un género yo no te estoy flechando la cancha y diciendo tenés que reírte o tenés que llorar. Depende de vos, de tu propia historia y de tu relación con tu identidad.

Fuente:http://www.espectador.com/1v4_contenido.php?id=149012&sts=1

"Romeo y Julieta" ante el mito del Uruguay del 50. Marianella Morena estrena mañana "Las Julietas". Por Carlos Reyes (Diario El País)

2009-04-14T12:20:00.000-07:00

Mañana La Candela recibe un Shakespeare al ritmo de malambo. La obra la dirige Marianella Morena, quien tiene entre sus antecedentes a "Los últimos Sánchez", donde ella había usado música criolla para retratar con inteligencia el presente.

Ahora el disparador es Romeo y Julieta, de la que la directora no realiza una versión, sino que toma algunos textos, y los mezcla con los de su propia creación.

En un espacio escénico despojado hay sólo cuatro sillas, que son para los actores: Leonardo Pintos, Santiago Sanguinetti, Alejandro Gayvoronsky y Claudio Quijano. Ellos cantarán y bailarán tangos, para traer al presente las cuitas de Romeo y Julieta. También habrá un pericón, interpretado con un peine y nylon. De hecho, en esta versión la pareja se enamorará al son del pericón.

"La obra tiene música en vivo y en off. Hay un pericón, tangos y un malambo, que representan esa cosa bien nuestra, y que plantean toda esa relación entre el erotismo y la violencia", señala Morena.

En contrapunto, la música en off es inglesa, y contemporánea, mientras que el vestuario son trajes como de los años 50, con un cruce con una estética más actual. "Son cuatro tipos que pueden estar en un bar, o en un banco de suplentes, o esperando para actuar, o esperando para ser elegidos", afirma la directora, quien tira otra pista: "Parecen galanes de los años 50, porque también está el tema de la construcción del ganador. Al principio son cuatro galanes, que luego se van desarmando".

No es la primera vez que Morena (que fuera ganadora del premio Moliere) lleva un clásico a escena desde una mirada personal: ya lo había hecho con Don Juan, el lugar del beso, en el subsuelo de una librería céntrica.

El punto de partida fue cómo traer a Shakespeare al Uruguay de hoy. Hablando con los actores surgió que uno tenía abuelos actores, que en los años 50 hacían Romeo y Julieta por el Interior, en versión de vareteé criollo. El episodio sirvió de disparador para cotejar el mito del Uruguay de los años 50 con el mito de Shakespeare.

En diciembre empezaron a trabajar, barajando diversos temas que confluyen: la identidad del actor que interpreta a una mujer, el lugar social del intérprete, qué mitos sobreviven de aquel Uruguay, la violencia, la discriminación, las pasiones.

"Lo que tomamos son las tensiones de la obra, y trabajamos mucho la violencia, la discriminación, la pasión, centrándonos en qué pasa cuando te arrastra la violencia y no la ves. Y eso lo tomamos para hablar de Uruguay, y cómo este país no ve determinadas cosas, cómo está obsesionado con determinados temas, y se ha construido un mito y una identidad como única, piramidal".

Sin embargo la artista aclara: "Hay como juegos de ironía, pero todo desde un lugar de diálogo, y desde el cariño: no hay una provocación, ni una irreverencia gratuita, ni frente a Shakespeare ni al Uruguay. Son como dos grandes mitos que se encuentran y dialogan con cuatro jóvenes actores".

Las Julietas estará en Ellauri 308 (tel. 7123227) los miércoles y jueves a las 21 horas. Las entradas cuestan $ 120. El personaje, el actor y su contexto social y político

"Hace tiempo que tenía en la cabeza a `Romeo y Julieta" y en paralelo tenía ganas de trabajar con actores varones. Se armó el equipo y empezamos a ver cómo traer a Shakespeare al Uruguay, incluyendo los temas que nos preocupan. Porque a veces se hace un montaje y los personajes pasan a ser el único centro, y se olvida dónde están parados los actores, en qué momento histórico, político y económico", sostiene Marianella Morena, quien para este año prepara otros dos montajes: Antígona for ever, para salir de gira por el Interior, y una obra con El Galpón que aún no está definido el título.

Filmando el spot

2009-04-12T16:20:00.001-07:00

Only Delonely

2009-04-11T15:53:00.000-07:00

También llamado Santiago Sanguinetti. Egresado de la Escuela Municipal de Arte Dramático en 2008, cursa además estudios de Literatura en el Instituto de Profesores Artigas. En 2007, obtiene una beca de la Embajada de Francia en Uruguay para asistir al Festival Internacional de Teatro de Aviñón. Sus obras de teatro han sido distinguidas con menciones en diversas oportunidades: Concurso Literario Municipal IMM (2006, 2007, 2008), Concurso de Obras Dramáticas de la Comisión del Fondo Nacional de Teatro (2007), Premio Anual de Literatura del Ministerio de Educación y Cultura (2007, 2008), obteniendo en 2008 el Primer Premio en el Concurso Literario de la Intendencia de Montevideo, y en 2009 el Premio del Concurso de Monólogos del Centro Cultural de España. Fue convocado por la Comedia Nacional para participar como actor invitado durante la temporada 2008, y a partir de 2009 su obra integra el repertorio de dicho elenco con el estreno de su obra ARARAT en el Teatro Solís. Tres de sus obras fueron reunidas en el libro Dramaturgia imprecisa publicado por Editorial Estuario. En la actualidad se desempeña alternativamente como actor, director, dramaturgo y docente de Teatro en Educación Secundaria.

Cittadino italiano

2009-04-10T15:45:00.000-07:00

Mejor conocido como Claudio Quijano. Comienza su actividad teatral en 1997 con el grupo teatral “El 18” de Villa Rodríguez (San José), interpretando textos de Aída Bortnik, Ricardo Halac, Alberto Paredes, Mario Benedetti, entre otros. Durante 1998 y 1999 participa de los talleres teatrales de la Casa de la Cultura de la ciudad de San José de Mayo a cargo de Isabel Pérez y Carlos Aguilera. Egresa de la E.M.A.D en 2006, donde interpretó roles como Pármeno (“La Celestina” de F. de Rojas), Egisto (“Electra” de Sófocles), Tristán (“El perro del Hortelano” de Lope de Vega), Sr. Díaz (“Nuestros hijos” de Florencio Sánchez), Shipuchin (“El aniversario” de A. Chéjov), Dorn (“La gaviota” de A. Chéjov), Strindberg (“La noche de las tríbadas” de Enquist), etc. Ha protagonizado spots publicitarios para Uruguay y América latina, cortos de ficción y doblajes de películas con motivo del XV Festival Internacional de Cine para Niños y Jóvenes, “Divercine 2006”. En 2007 trabaja en “Kiev” de Sergio Blanco, como actor invitado en la puesta de Mario Ferreira para la Comedia Nacional. Durante 2007 y 2008 realiza el posgrado en Creación Colectiva a cargo de Roberto Suárez, estrenando el espectáculo “La estrategia del comediante”. En la actualidad termina sus estudios de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de la República.

Romeo González, blandengue

2009-04-09T15:43:00.000-07:00

Utiliza comúnmente el seudónimo de Leonardo Pintos. Licenciado en Ciencias de la Comunicación egresado de la UDELAR. Se ha desarrollado profesionalmente en el terreno de la comunicación social, en distintos ámbitos laborales como la IMM y la UDELAR . Actor, egresado de la EMAD. Entre sus trabajos se encuentran los radioteatros de carácter biográficos Musas, transmitidos por AM Libre, Mi Muñequita (la farsa) de Gabriel Calderón, con dirección del autor y Ramiro Perdomo, Lo que se Sabe, espectáculo de danza contemporánea dirigido por Florencia Martinelli y Carolina Silveira, el corto cinematográfico FINE dirigido por Ana Laura Obispo y seleccionado para reprensentar a Uruguay en el Festival Kodak en Nueva York, el radioteatro María Blomma dirgido por Marianella Morena y la producción de El Hueco, espectáculo teatral dirigido por María Dodera. En la actualidad se desempeña en tareas de comunicación, producción y gestión cultural en la Dirección Nacional de Cultura del MEC y trabaja de forma profesional como actor en teatro independiente.

Bruto Actor

2009-04-08T15:40:00.000-07:00

Responde al nombre de Alejandro Gayvoronsky. Dramaturgo, director y actor. Es egresado de la Escuela de Actuación de Montevideo (EAM). Realizó varios talleres de dramaturgia con artistas uruguayos y del extranjero, entre ellos se encuentran Carlos Rehermann, Gabriel Calderón y Mauricio Kartún. Trabajó como actor en diversos espectáculos estrenados en el medio.

La directora

2009-04-07T15:37:00.000-07:00

Sus padres dieron en llamarla Marianella Morena. Egresa de la “Escuela Integral de Arte Escénico” de la Institución Teatral El Galpón. Beca de postgrado en la Facultad de Arte de Bialystok y el Teatro Studio de Varsovia, especializándose en Nuevas Tendencias. Creaciones parateatrales y experiencias escénicas en discotecas, centros comerciales, calle, eventos, estructuras educativas, en España, Paraguay, Argentina y Uruguay. Apertura de espacios: Sótano Mincho- Bar, La morena-teatro en su domicilio personal, subsuelo de la librería MVDBookstore. Primer Premio Molière para directores. Premio CCE solos en el escenario. Premio Teatro El Galpón. Nominaciones a los Florencio. Trabaja en Francia con Adel Hakim. Participa de festivales internacionales. Tiene publicados dos textos, estrenados seis y dirigió once espectáculos teatrales . Ha sido convocada por la Comedia Nacional, Teatro El Galpón y actores independientes del medio y del extranjero.

Por un celeste teatral

2009-04-06T15:22:00.000-07:00

que los vampiros no vengan por los honestos, que los honestos nos protejan de la vanidad y el resentimiento, que la soberbia no se apropie del teatro, la creación y la escena.

Para hacer identidad y dejar la importación.
Para que la exportación sea con carne teatral.
Para que la teoría venga después de la acción y la escena.
Para que nos amemos como condición necesaria.
Para que el hambre nos coloque la mirada en el escenario uruguayo.
Para que no nos dé vergüenza tener un corazón celeste.
Para que limpiemos nuestro horizonte cargado de lejanía y de legitimación europea.
Para que nos abriguemos con el calor, el talento, y la creatividad de los sin nada.
Para que abandonemos la desesperación por el reconocimiento ajeno,
Y nos entreguemos a las fuentes efímeras de nuestra realidad.
Para que nadie venga a decirnos que en Uruguay no hay dramaturgos, directores, actores, diseñadores.

Por un Celeste Teatral
Marianella Morena

Meses a la deriva.

2009-04-05T14:15:00.000-07:00

Shakespeare y el Mundial del 50. Las Julietas son nuestras, ¿te acordás de ellas?

En el 50 un grupo de jóvenes actores aficionados recorre el Interior del país con una representación criolla de Romeo y Julieta. Era la banda teatral Las Julietas. De ellos tenemos datos que han sobrevivido a través de las generaciones: hijos, nietos , sobrinos, y el recuerdo de alguna anécdota sobre las formas de varieté que los caracterizaba. Del Uruguay del 50 tenemos la gloria de Maracaná, pero ¿alguien se acuerda de Las Julietas?

Diciembre 2008
Muchas ganas de trabajar con varones jóvenes, muchas ganas de hacer Romeo y Julieta. Muchas ganas de ensayar en verano. Ideas sueltas merodean mi cabeza. Leonardo Pintos, Alejandro Gayvoronsky, Santiago Sanguinetti, y Claudio Quijano, me cuentan una historia sobre sus abuelos. Un grupo de actores abandonados y sin director realiza una especie de varieté criollo con textos de Shakespeare.

Enero 2009
Libertad y confianza
Desde hace un tiempo mantengo un romance con Romeo y Julieta, romance que no logro poner en práctica. Mi realidad es la siguiente: tengo cuatro actores con los que quiero estar y tengo un texto con el quiero estar. No coinciden en equivalencia de roles, pero será cuestión de esperar, o mejor, será cuestión de cambiar el punto de vista. Cuando esto sucede, la libertad y la confianza se queda con nosotros.

El erotismo de lo real
El ensayo será el espacio donde se depositará todo. Conversaciones privadas, restos de historias, interpretaciones sobre Romeo y Julieta, recortes de criterios, Cindy Sherman, el universo erótico y la escena, la escena como espacio de entrega, la excitación del actor con el escenario como una cama. Hicimos acuerdos: no habrá representación, los roles pasarán de mano en mano hasta que la ficción y lo real puedan convivir.

Ellos me presentan una escena. Entran los cuatro. Desnudos. Estoy sola mirándolos. Voyeur y directora. Editar hasta lo último, ser honesta incluyendo la vibración que me produce verlos, el cuerpo debe acomodarse enseguida y recordar el rol: directora. Debo ser honesta y exponerme, ese fue el trato, ellos dan y yo también.

Todo adentro, nosotros, mi casa, el espacio, y Las Julietas. Alejandro se enferma del corazón y seguimos. Lo esperamos y vuelve a nosotros.

Febrero 2009
El celeste vuelve para quedarse
Y con él todo. Nadie se fue, nadie fue violado, o sacrificado. Una reunión entre Shakespeare, cuatro actores y una directora, en un apartamento antiguo de la Ciudad Vieja en verano, sin miedo y con hambre de ser y no representar más. Somos éstos: pobres, tercermundistas, artistas, del siglo XXI, solamente con preguntas, determinados por la urgencia, la ironía, el deseo y la necesidad de decir: somos y estamos en este lugar del mundo.

Marzo 2009
Las clases traen orden y organización. El montaje obliga y el equipo se agranda. La producción, los técnicos y los ensayos con gente. Se viene otra etapa y nuestro homenaje a Las Julietas.

De corazón
Marianella Morena

Y seguíamos buscando. Avanzando entre las sombras.

2009-04-04T14:11:00.000-07:00

Voy a retomar esto:

Ordenar en el desorden de nuevas y viejas cosas. Irse para volver con más ganas: una estrategia de los románticos.

No hay dispersión sino abertura de otros puntos de vista, ampliación del registro, acumulación de miradas, en vez de incluir otros soportes, agudizamos el que tenemos: palabra, cuerpo, palabra.
No hay otras conversaciones, hay otras formas de entender lo que estamos haciendo.

Cuando volvemos al centro, al punto de partida, hay que resolver cómo incluir esa zona sucia, dispersa, confusa, ese otro lugar, esa fuga, ese espacio que se nos va. Uno se va para saber que hay un otro que quiere que vuelva. Nos vamos a veces de Julieta ¿Por qué? Shakespeare tiene todo, ¿por qué lo dejamos? Es el presente tiránico, es la escena que sólo entiende de presente, ¿cómo negociamos entre lo muerto y lo vivo? O ¿cómo le damos vida a los muertos? Quizá no hayan muertos sino otras formas de supervivencia, todos sabemos que Shakespeare no lo está, y mucho menos Julieta, entonces, desde dónde le damos esta vida, en este 2009 en Montevideo...

Beso
M

Visión artística: cuatro hombres lanzados al vacío

2009-04-03T13:54:00.000-07:00

Espacio despojado, austero, concentración actoral, juego fragmentado, planos superpuestos de la acción y el relato. Estética dirigida al encuentro de los tiempos y las generaciones, mirada absurda sobre los dueños de la verdad y el conflicto de la identidad. Planteo escénico con elevado interés en el texto y la actuación. Cuatro actores jóvenes dejarán todo en la arena, sin nada, y con lo imprescindible: un resto de Shakespeare en el cuerpo. Un resto de Shakespeare en el aire. Un resto de Shakespeare en La Candela, flotando y pidiendo asilo, desesperado por volver.

Marianella Morena

Los primeros intentos. Los primeros mails.

2009-04-02T14:06:00.000-07:00

Es un quinteto. Cuatro Julietas hombres y una directora. Me gusta esta relación, es como dicen: sin querer y sin darnos cuenta... Pero, ¿cómo sucedió? Se dio. Creo en estos encuentros químicos del interés y la física, de la energía y la inteligencia creadora, casi naturales.

Abrimos una dimensión del relato, el texto y el volumen. ¿En dónde están los personajes?¿Iremos por ellos-ellas? ¿Representar, presentar, ser?

Cuatro partes.
La escritura.
La intención.
La representación.
La muerte.

El viernes empezamos con la escritura. El planteo fue así: recopilen, recuerden, piensen y traigan los textos, los trabajos, los comentarios, las ideas. Con algunas condiciones. No pueden levantarse y todo lo que digan deberá ser escrito. Todo. Resolviendo si eran los cuatro o dependía de quien hablaba. Lo siguiente fue: hagan la escena que escribieron.

Después intentamos ordenar en el desorden de nuevas y viejas cosas, uno se va sólo para volver con más ganas, creo que es una estrategia de los románticos.

Recordemos esta imagen. Partir de lo real, de lo más real, cotidiano, simple, casi objeto, del rumor, de lo escuchado, de nuestro pulso y de lo más doméstico, entre Shakespeare y la rambla, entre la quietud y silencio para dejarse ir, llevarlo al extremo, al límite de la situación,¿deja de ser real?¿Es absurdo?

No sé el estilo, no me preocupa, me interesa vibrar, que entremos desde ese lugar y nos apropiemos de la escena, de nosotros dependerá si ella se quede con nosotros o se vaya la muy puta por ahí en búsqueda de otros.

No nos olvidemos, la escena es muy puta, infiel y enamoradiza, debemos convencerla que sólo nosotros le daremos amor, aunque sea por una hora.

Estamos en contacto.

Gracias,
de corazón.

Marianella Morena

Diciembre de 2008: el comienzo...

2009-04-01T13:45:00.000-07:00

"No quiero ser Julieta.
Soy Julieta.
Ella no es Julieta
Somos Julietas. Las otras no existen."

Cuatro actores perdidos, sólo les quedó el recuerdo de un personaje: Julieta. Cuatro actores conviven en un espacio y al principio no tienen conciencia de quiénes son y en quiénes se han convertido, a partir de juegos, alteración de roles, presentación de relatos y escenas representadas y narradas empiezan a notar un parentesco interior a pesar de la diferencia exterior. Hasta que uno de ellos propone realizarle una autopsia a Romeo y Julieta, y ahí es que descubren que son cuatro Julietas. La narración vertiginosa y la fragmentación múltiple nos recuerda este mundo contemporáneo de cajas chinas, que como internet no para y como el infinito de la carnalidad de Shakespeare tampoco. Cuando reaccionan sobre la clonación no entienden qué pasó, cómo es que se convirtieron en Las Julietas y ¿qué harán a partir de ahora con sus personajes? La memoria, la identidad y el género. ¿Importa que Julieta sea hombre? ¿Es indispensable lo femenino de género para ser Julieta? Suspenso, humor y obsesión por la identidad.

Marianella Morena

Shakespeare y Las Julietas

2009-03-30T21:01:00.000-07:00

Hacer teatro es perderle miedo al tiempo, entrar en el presente y dialogar con él.

Es trabajar en coherencia con los destinos económicos y humanos: corazón, presupuesto y confianza, porque sin fe no hay entrega y sin entrega no hay escena.

Somos éstos: pobres, latinoamericanos, artistas del SXXI, sólo con preguntas, determinados por la urgencia, la ironía, el deseo y la necesidad de decir: somos y estamos en este lugar del mundo. Somos con el yo a solas, con el nosotros y con el ustedes. Somos todos.

Hacer teatro es elegir, pero elegir no es solamente elegir el texto, el equipo, la estética, la sala. Elegir es opinar arriba del escenario, ese es el discurso del creador: acción escénica.

Que lo real sea la poética, que la poesía sea el sudor del actor en cada función, y que el humor nos guíe, porque sin él la libertad no tiene sentido. Que nuestro horizonte sea nuestro, que podamos verlo y no marearnos con otros horizontes, porque lo propio es nuestro y hay que apropiarse de lo propio y amarlo hasta no poder más.

Después nadie sale igual, los que estamos de un lado y del otro, porque cuando sucede el acontecimiento, todos trabajamos, nos emocionamos, y dialogamos en un mismo instante, cosa inverosímil para la velocidad actual.

Hacer teatro es dialogar: Shakespeare, Uruguay, y nosotros: cuerpos portadores de la duda, ¿representar o ser? ¿Quién decide el orden, la angustia, el hambre, el amor, el personaje, el conflicto? Dialogamos.

Hacer teatro es apostar sabiendo que vas a perder, porque ser artista es ser perdedor, no el perdedor de una competencia, el perdedor que todos queremos ser: perdedor para afuera y ganador para adentro: poner el corazón celeste, bien celeste. Un celeste teatral para nuestro corazón.

Hacer teatro es preservar la pureza. Capital necesario para la salud y la supervivencia espiritual: aquella riqueza no distribuida en el mercado.

A mis actores, por ser portadores de ese tesoro.

Marianella Morena